3 coeurs (2014), Benoît Jacquot

En una ciudad de provincias un fiscal que pierde el tren de vuelta a París tiene un encuentro casual con Silvia. Pasarán toda la noche juntos hablando de todo menos de ellos mismos.

Al día siguiente cuando Marc tiene que volver a París, se da cita con Silvia unos días más tarde a una hora precisa en el Jardín de las Tulerías.

Cuando llega el día y la hora de la cita, Marc por un impedimento de trabajo llegará tarde, cuando Silvia ya se haya ido. Durante semanas se lamentará por ello y la echará de menos obsesivamente.

Meses después realizando la instrucción judicial de un caso conocerá a Sofía, con la que empezará a intimar sin saber que casualmente es la hermana de Silvia.

Cuando por motivos familiares tengan que verse los 3 sin que Sofía sepa nada de la historia anterior, se reavivarán los sentimientos de Marc y Silvia, creándose un destructivo triángulo amoroso.

Interesante película con un reparto estelar de actores franceses que comienza de una manera un tanto anodina, para que poco a poco se vuelva entretenida incluso logrando que tú como espectador te sientas involucrado, evocando un sinfín de razonamientos acerca de las casualidades de la vida, de los encuentros fortuitos, de los enamoramientos obsesivos, de las afinidades electivas que diría Goethe, en las que uno de repente se puede ver envuelto y que no necesariamente cuadran en el entorno o en el momento en el que se dan.

Anime nere (2014), Francesco Munzi

Los tres hijos de un pastor del Aspromonte, en la Calabria profunda, han seguido recorridos diferentes en la vida.

El más pequeño es un traficante internacional de drogas, el segundo vive en Milán, que aún no aceptando el estilo de vida de su hermano, se beneficia de su dinero sucio para hacer negocios. El más mayor vive en el pueblo, entregado a una vida tranquila y renunciando a una familia y a una tierra donde los lazos de sangre y las tradiciones están muy arraigadas.

Los particulares comportamientos que rigen estas sociedades aisladas y en casos ancestrales, se verán rotos en el momento en el que, casualmente el hijo pequeño del único hermano que es honrado se sienta atraido por la mala vida y comience a delinquir, nada menos que agrediendo a un clan rival, lo que acabará terminando en tragedia.

Presentada a concurso en la Mostra de Venecia de 2014 ha causado una buena sensación por su logrado equilibrio entre una historia que puede ser real y su recreación cinematográfica.

Birdman (2014), Alejandro González Iñárritu

Un actor famoso por interpretar a un superhéroe icónico "Birdman", se enfrenta a un nuevo reto, sacar adelante un espectáculo de Broadway que tiene todos los ingredientes para ser ruinoso y de paso revitalizar su carrera como actor, mientras que además trata de recuperar a su mujer y a su hija.

González Iñárritu fue el magnífico director que nos deslumbró con sus películas tristes de historias cruzadas de personas que hacen frente a situaciones extremas. Amores perros, 21 gramos y Babel fueron grandes obras que aunaron el favor de la crítica y del público.

Era de los pocos directores que después de haber dado el salto a Hollywood había logrado seguir siendo bueno e interesante. En su anterior película, Biutiful, del entonces ubicuo Javier Bardem, nos dejó una impresión extraña, ya no era tan convincente como las otras.

Con esta última, ha sido peor todavía. Con una buena historia acerca de una producción teatral ruinosa, con un actor trasnochado que intenta volver a ser quien fue, que puede servir de base para una gran película, sin embargo Iñárritu centra la historia en muchos momentos sin sentido. Las escenas de vuelo del actor, su esquizofrénico desdoblamiento de personalidad, el priapismo inesperado de Edward Norton rodando una escena con la mujer de él, me parecen licencias cinematográficas completamente vacuas y superficiales, propias de esos directores que empiezan a creer que el valor de una película reside en ellos mismos y que contarla de manera demente o extraña la hace más original y valiosa.

El caso es que esta mañana he leido que Michael Keaton seguramente sea nominado al Óscar al mejor actor, lo que nos faltaba.

Me parece que olvidan lo que tiene que ser más importante en el cine: entretener. Algunos quizás debieran volver a ver la saga de El Padrino, por ejemplo, para ver que la protagonista principal es la propia película.

The Humbling (2014), Barry Levinson. La humillación

Historia de un actor envejecido y venido a menos que no quiere reconocerlo mientras lucha con su agente -un avejentado Charles Grodin que hace tiempo que no veíamos- porque no quiere aceptar papeles menores o anuncios publicitarios de crecepelo que le ayuden a pagar las facturas.

Lo que seguramente sea una buena novela de Philip Roth se transforma en una mala adaptación cinematrográfica, a pesar del maravilloso Al Pacino, que aún sobreactuando en ocasiones, puede ayudar a salvar cualquier película.

La dirección es horrorosa, de una lentitud exasperante, con un continuo abuso de los primerísimos planos, por si no nos hemos dado cuenta de que Al Pacino ha envejecido, como el personaje que interpreta.

Sólo hay una escena memorable, cuando Al se encuentra en la sala de espera de un doctor que le ha dado un calmante de caballo para paliar sus dolores de espalda y tiene lugar una cómica conversación surrealista al más puro estilo de Woody Allen entre una atontado Al y los otros pacientes.

El resto nada, la consabida historia de amor con una chica muchísimo más joven como hilo conductor de la trama, de la misma manera que otra adaptación de Roth "Elegy", en este caso por nuestra Isabel Coixet, con un resultado también bastante desafortunado.

Historias tan americanas, intimistas y con poca acción, parece ser que no se prestan para ser llevadas al cine.

Presentada en el Festival de Toronto de 2014 y en el de Venecia del mismo año, con la misma expectación que levantó su proyección en ambos festivales, decayó su posterior distribución y su aceptación por el público general.

To The Wonder (2012), Terrence Malick

Amor, amor, amor. ¿Cómo podemos explicar la nueva entrega de Terrence Malick?, aparte de que nos recuerda mucho a la anterior "El árbol de la vida", esta vez sin dinosaurios ni búsquedas metafísicas del origen del mundo parece interrogarse con insistencia acerca de cómo funciona el amor en el ser humano. 

Ben Affleck es un americano que vive en Francia y se enamora de una chica que tiene una niña pequeña. Después de un período maravilloso de intenso enamoramiento, se las lleva a Estados Unidos, donde después de un tiempo empieza a suceder justo lo contrario, la llama se va apagando, aparecen discusiones frecuentes y episodios de malos tratos, hasta la separación definitiva y el retorno de la chica con la niña a Francia.

Después Ben recuperará un amor antiguo con el que retomará la relación hasta que empiece a acordarse de la chica francesa. Idas y venidas episódicas, momentos de mucho amor que se convierte en desprecio en el instante siguiente, sin que ni siquiera ellos mismos lo entiendan.

Paralelamente, la historia del sacerdote -Javier Bardem- en una crisis profunda de fe, donde también el amor de Dios le ha abandonado.

Filmada en Oklahoma, París y Monte Saint-Michel, vuelve a contar con el mexicano Emmanuel Lubezki como director de fotografía, que junto con la música suelen ser los mayores atractivos de la películas de Malick.

Se estrenó en la sección oficial del Festival de Venecia de 2012 sin que tuviera una acogida particular.

 

Es difícil encontrar adeptos a este director, ni siquiera entre los cinéfilos, a pesar de que en su exigua filmografía tiene reconocimientos o premios en todos los mejores festivales de cine internacionales. Quizás su film más premiado "La Delgada línea roja", fue el que también tuvo mejor acogida por parte del público e hizo mejores taquillas.

Yo personalmente lo defiendo y me gusta, logra hacer un cine que aunque es pretencioso y en ocasiones, por su duración y su reiteración, tremendamente aburrido, sin embargo en otras logra momentos de gran poesía, que a tantos les gustaría. Bienvenido sea por darnos esos ratos de ensoñación.

 

 

Che strano chiamarsi Federico (2013), Ettore Scola.

Basado en los recuerdos personales de Ettore Scola, la película comienza con lo que pudieron ser los primeros años de Fellini, cuando en 1939 llega a Roma de su Rimini natal para trabajar como viñetista en el periódico satírico Marc'Aurelio, como también más tarde haría el propio Scola.

 

 

 

Recuerdos de sus años de director, de sus paseos por el Teatro 5 de Cinecittà donde rodaría tantas de sus películas y de sus largas conversaciones con Scola que darían lugar a colaboraciones cinematográficas.

 

El título lo toma de los versos de un poema de otro Federico, García Lorca:

 

Poema "De otro modo"

 

La hoguera pone al campo de la tarde,
unas astas de ciervo enfurecido.
Todo el valle se tiende. Por sus lomos,
caracolea el vientecillo.
El aire cristaliza bajo el humo.
?Ojo de gato triste y amarillo?.
Yo en mis ojos, paseo por las ramas.
Las ramas se pasean por el río.
Llegan mis cosas esenciales.
Son estribillos de estribillos.
Entre los juncos y la baja tarde,
¡qué raro que me llame Federico!

 

 

Presentado con una buena acogida en el Festival de Venecia de 2013, supone un acercamiento a los comienzos del gran maestro Fellini que sentaron las bases para lo que luego sería una genial carrera cinematográfica.

 

The Canyons (2013), Paul Schrader.

Un joven productor de cine ha recibido una herencia de su padre que le obliga a producir películas si quiere seguir disfrutanto de la misma. En compañía de su novia se dedica a hacer intercambios sexuales que luega filma y cultiva varias amantes, mientras los celos porque su novia haga lo mismo no le dejan vivir.

Lo que pretende ser una historia de lo que pueda ser el mundillo del cine en Los Ángeles, donde parece que todo el mundo busca sexo que compra de cualquier manera, mientras que otros lo venden al precio que sea si es menester, al final lo que único que sacamos en claro es que Schrader nos vuelve a mostrar su obsesión por el sexo.

Muy mala película con un argumento completamente trasnochado del que fuera director de la notable American Gigolo (1980) con Richard Gere y de otras tantas buenas cintas como guionista cotizado. Presentada en el festival de cine de Venezia, dio que hablar más por la fama y los desnudos de Lohan que por sus propios méritos.

May in the summer (2013), Cherien Dabis.

 May es una escritora de cierto éxito en Estados Unidos que decide regresar a su Jordania natal para preparar su matrimonio con Ziad.

Siendo ella cristiana y él árabe, lo que en su vida americana no les supone ningún problema particular, se transformará en su país en una fuente de problemas que le hará plantearse su vida por completo.

Hija de una jordana cristiana ultraconservadora y de un padre diplomático norteamericano, que tradicionalmente ha engañado a su madre con tantas mujeres, regresa a un país de extremos, donde hay personas muy occidentalizadas y otras en cambio que profesan religiones muy conservadoras.

Será el contacto con esa realidad de su país, de sus padres y de sus hermanas, la que le hará darse cuenta de que la vida que llevaba no era la que le gustaba y que la confusión sin embargo estaba dentro de sí y no fuera.

Original película dirigida e interpretada por Cherien Dabis que inauguró el Festival de Sundance de 2013, lo que le sirvió para ser elegida también para el Festival de Venecia del mismo año.     

The Unknown Known (2013), Errol Morris.

Apabullante documental sobre Donald Rumsfeld, político estadounidense, Secretario de Defensa del gobierno de Ford de 1975 a 1977 y de George W. Bush entre 2001 y 2006.

Joven estrella del Partido Republicano en los 60 y 70, rival acérrimo de Bush padre desde siempre, su gestión ha sido generalmente bien valorada por los militares, sin embargo no tanto por la opinión pública y sus rivales políticos.

Partidario de una estrategia militar sin concesiones, tras los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001, junto con el vicepresidente Cheney, fue el estratega militar y máximo defensor de la llamada Operación Libertad Duradera en Afganistán y de la Invasión de Iraq de 2003.

Su visión extremista de la política internacional que pone de manifiesto en el documental sin ningún pudor con axiomas como que la violencia es necesaria para prevenir la violencia, aunque no existan amenazas de ningún tipo. O su famoso juego de palabras que da título al documental, de que no sabemos lo que sabemos, con otras variantes como que no sabemos lo que no sabemos, que le sirven para justificar la necesidad de una política internacional norteamericana totalmente agresiva e invasora, que a la postre es la mejor protección contra cualquier peligro.

Excelente documental sobre un personaje curioso, que ha trabajado en altos cargos en la administración norteamericana durante decenios, según lo que parece de manera bastante eficiente, pero que con una ideología tan radical, cuesta creer que se presente ahora de manera tan risueña como aquel que no hubiera roto nunca un plato.

 

Terraferma (2011), Emanuele Crialese.

Brutal contraste que se pone de manifiesto en una pequeña isla siciliana entre adinerados turistas ávidos de diversión y oleadas de inmigrantes pobres que cuando no mueren en el trayecto les espera la policía a su llegada para expulsarlos. Unos se divierten de manera relajada en un mar donde se unen dos mundos radicalmente distintos, que para otros puede suponer incluso una trampa mortal.

Mientras los habitantes de la isla se debaten entre el negocio de los turistas del que viven casi todos y la ayuda humanitaria que además es ilegal.

En este ambiente contradictorio un abuelo pescador se negará a cumplir esta ley que impide ayudar a los inmigrantes ilegales, mientras su hija se situará en una posición más realista, para que el nieto se encuentre confundido sin saber qué hacer.

Gran dilema acerca del conflicto de lo legal con lo moral que plantea Crialese, un director romano de padres sicilianos, especializado en películas sobre Sicilia, con un tema tan complicado como frecuente como es la inmigración de gente desfavorecida que busca mejorar sus vidas, para a veces enfrentarse a una situación todavía peor.

Presentada en el Festival de Venecia de 2011, también representó a Italia como candidata a la mejor película extranjera en los Óscar de 2012.

La grande guerra (1959), Mario Monicelli. (La Gran Guerra)

A comienzos de la Primera Guerra Mundial dos jóvenes reclutas italianos, uno de Roma -Alberto Sordi- y el otro de Milán -Vittorio Gassman-, se conocen en las oficinas de reclutamiento cuando el primero engaña al segundo sacándole dinero a cambio de librarle de la leva.

Lógicamente no será posible y más adelante por casualidad se conocerán en el tren que los lleva al frente, trabando una amistad que les unirá para siempre.

El tiempo transcurrirá entre batallas, misiones y períodos de descanso, en un trasfondo de matanzas, muerte, hambre y frío. Vittorio hará amistad con una prostituta -Silvana Mangano-, que hará que la guerra no parezca tan dura, junto con el tiempo pasado entre camaradas y paisanos.

Relato de las vicisitudes de dos jóvenes reclutas italianos durante la Primera Guerra Mundial, en la batalla del río Piave, donde Monicelli narra de manera magistral lo que pudo ser la guerra para tanta gente que le era completamente ajena y que se veía obligado a participar en ella. En este caso los protagonistas intentarán suplir con picardía y en ocasiones con desfachatez su falta de valentía y de compromiso con el conflicto, sin poder evitar sin embargo el fatal destino que otros les han obligado a asumir.

Galardonada con varios premios cinematográficos italianos, con el León de Oro a su director en Venecia en 1959 y candidata al Óscar en 1960 a la mejor película extranjera, me parece una gran película con unos grandísimos actores.

 

 

Après mai (2012), Olivier Assayas. (Después de mayo)

Película dedicada a narrar las comprometidas vidas sociales de los jóvenes estudiantes parisinos de los años 70, que luchaban por cambiar un mundo que no les gustaba.

El personaje principal es Gilles que se dedica a pintar y hacer cine, lo que según sus compañeros le hace descuidar su compromiso ideológico con el movimiento estudiantil, que tiene que ser completo.

 

Mientras se ocupan de elaborar clandestinamente los pasquines y de realizar actos de sabotaje también tienen lugar sus aventuras amorosas de ida y vuelta o en un solo sentido, donde ninguno de ellos tiene claro qué es lo quiere y donde acaban enamorándose de quien no les quiere.

Película muy lenta y en ocasiones aburrida, con una duración excesiva, que trata sobre un tema muy manido sin que aporte nada nuevo. Se presentó en el Festival de Venecia de 2012 donde ganó el premio al mejor guión.

The Master (2012), Paul Thomas Anderson

Historia de un veterano de la Segunda Guerra Mundial, alcohólico, paranoico y obsesionado por el sexo, que además sufre el trastorno de estrés postraumático, que cuando termina la guerra inicia el periplo de reintegrarse sin éxito a la vida civil.

En una de sus sucesivas aventuras caerá en la órbita de un personaje carismático que está celebrando la boda de su hija en un barco navegando por un río y que lo recibirá con los brazos abiertos.

Posteriormente descubrirá que se trata de una especie de gurú, psicólogo y hombre de negocios que tiene un gran predicamento entre la gente, que presume de curar determinadas personas enfermas, con el que establecerá una relación profunda y en ocasiones convulsa a lo largo de muchos años, siguiéndole a él, a su familia y a su causa en su periplo a lo largo de Estados Unidos.

Dirigida, producida y escrita por uno de los mejores directores hoy en día, Paul Thomas Anderson, autor de obras maestras como Boogie Nights, Magnolia y otras cercanas como Punch-Drunk Love (Embriagado de amor) y Pozos de ambición, ha sido un éxito de taquilla y de crítica en Estados Unidos.

Con esta impresionante carta de presentación uno va al cine emocionado, preparado para ver un peliculón y curiosamente sale decepcionado, primero porque no sabe lo que ha visto -lo cual en cine no siempre es necesariamente malo-, y segundo porque con lo que uno ha leído previamente piensa que la película hablará de la Iglesia de la Cienciología, cuando en realidad no se hace ni la más mínima referencia a ella y ni siquiera por asociación uno puede intuirlo.

En cualquier caso la película está filmada excelentemente, las interpretaciones  Joaquin Phoenix y Philip Seymour Hoffman son extraordinarias -lo que les ha valido la nominación al Óscar al mejor actor principal y al secundario- y te deja un poso que va aflorando con el paso de los días, porque tiene algo que te hace que sea atractiva y te incite a pensar en ella.

En su día fue presentada en el Festival de Venecia de 2012 con gran aceptación lo que le ha servido para crear la onda publicitaria que hoy vemos.

Den skaldede frisør (2012), Susanne Bier. (Amor es todo lo que necesitas)

Comedia romántica de la directora danesa Susanne Bier que nos tiene acostumbrados a dramas intensos sobre problemas complejos y que ahora presenta una historia sencilla acerca de un enamoramiento en la edad madura.

La historia trata de una pareja de chicos daneses que se ha conocido hace 3 meses y que decide casarse repentinamente y hacerlo en la casa que tiene el padre de él -Pierce Brosnan, elegante y guapo como siempre, haciendo de Pierce Brosnan, como siempre- en la localidad de Sorrento, en la Costa Amalfitana. La casa, que lleva cerrada desde que muriera su esposa y él siga sin aceptarlo del todo, servirá de punto de encuentro para que las dos familias pasen unos días juntos y se celebre la boda.

La madre de ella es una peluquera que vive en Dinamarca y que se está curando de un cáncer de pecho, pero que decide hacer sola el viaje porque acaba de sorprender a su marido acostándose con su secretaria, y que en el colmo de la desfachatez éste ha decidido acudir a la boda también con ella.

Al final el encuentro de todos servirá para que se conozcan y se enamoren el padre de él y la madre de ella, porque ni siquiera la boda tendrá lugar. El chico, en medio de los preparativos, se siente atraído por uno de los camareros italianos y decidirá sincerarse consigo mismo, después con su novia y cancelarlo todo antes de que sea demasiado tarde.

Poco más interés tiene la historia, si no es el marco incomparable de este pueblo italiano de gran belleza, donde la directora se recreará regalándonos un sinfín de vistas y amaneceres.

La película fue presentada en el Festival de Venecia de 2012 con gran expectación debido a sus protagonistas y a la propia directora, asidua a los festivales de alto nivel -ya ganó en su día el Óscar y otra nominación a la mejor película extranjera-, pero cuyo resultado ya no tiene nada que ver con ese movimiento Dogma 95 en el que ella se inició.

Killer Joe (2011), William Friedkin

Que Matthew McConaughey sea el protagonista de una película de acción debiera ser el freno suficiente para no verla. Sin embargo el que el director fuera el mismo de películas como El exorcista o French Connection me animó a verla.

Craso error, Matthew nos hace el papel de un policía en Dallas que en sus ratos libres es un asesino a sueldo que no tiene ninguna necesidad de esconderse.

Cuando le contrata una familia para que asesine a su madre y así cobrar el seguro de vida, se tuerce el plan y él decide que se quiere quedar con la niña de 14 años en prenda por el pago que no ha recibido.

No siendo el guión tan descabellado, el desarrollo del mismo con escenas como góticas y la interpretación de los actores resultan un completo despropósito. Fue presentada en la edición de 2012 del Festival de Venecia, a cuyos organizadores me parece que les pasó lo mismo que a mí.

Matthieu nos enseña su cuerpo desnudo una vez más sin venir a cuento, la niña inocente se convierte al final en la del exorcista y todo es un revival de momentos cinematográficos que funcionaron en otras épocas y en otros contextos, pero que ahora resulta que no sirven para que la mayonesa cuaje.

Ruggine (2011), Daniele Gaglianone. (Óxido)

Hacia el final de los años 70, en una barriada de la periferia de Turín, un grupo de niños de inmigrantes del sur de Italia disfruta del verano jugando en los restos de una fábrica de hierro abandonada.

A pesar de su juventud su personalidad está ya marcada, están los que mandan y organizan los juegos y travesuras, y por otro lado los que obedecen y siguen al grupo.

Cuando el doctor Boldrinio es nombrado médico del barrio empiezan a suceder cosas extrañas, una niña es secuestrada y mientras los adultos culpan al loco del barrio, los niños están convencidos de su inocencia.

Unos decenios más tarde alguno de esos niños todavía recuerdan con amargura y con mucho dolor esas fechas, que les ha dejado una fuerte impronta psicológica.

Tema centrado en el abuso sexual de menores en unos años en que la sociedad no estaba preparada para evitarlo o ni siquiera denunciarlo, con el consiguiente grave daño causado a tantos y tantos niños.

La película participó en la Jornadas de los Autores del Festival de cine de Venecia de 2011.

Il primo incarico (2010), Giorgia Cecere. (El primer empleo)

Apulia, años 50. Nena es una joven enamorada de un chico de la alta burguesía cuando recibe una carta con la notificación de que ha aprobado la oposición a maestra y ha sido destinada a la zona del Salento, en el sur extremo de Italia. Partirá inquieta por la experiencia pero triste por alejarse de su amor.

Su destino resulta ser un pueblo muy pequeño donde sólo hay campesinos casi iletrados y cierta pobreza, sin nada que hacer aparte de dar clase a los niños del pueblo en condiciones precarias, lo que hace que los días sean largos y aburridos, que sólo se llenan cuando recibe una carta de su amado.

Un día, en una de esas cartas, su novio le comunica que la deja. De repente todo su mundo que estaba centrado en su novio, se derrumba de golpe. Con el paso de los días, devastada por el dolor y necesitada de cariño, empieza a verse furtivamente de noche con un joven albañil del pueblo.

Cuando estos encuentros se hacen de dominio público, la gente del pueblo empieza a presionarla hasta que logran que acepte casarse con el chico para guardar las formas. Lo que al principio resultaba una huida hacia adelante, con el paso del tiempo el trato entre los dos también se transformará en amor.

La actriz Isabella Ragonese, con gran sensibilidad y delicadeza, de manera sencilla pero convincente hace una interpretación fantástica, siendo capaz de transmitir el dolor y la soledad en un entorno agreste y no familiar, con la moraleja adicional de que el amor se puede encontrar en cualquier sitio, basta con buscarlo.

La película fue presentada oficialmente en el Festival de Venecia de 2010 sin que obtuviera ninguna nominación.

Lemale Et Ha'Halal (2012), Rama Burstein. (Llena el vacío)

Historia que se desarrolla en Tel-Aviv en el seno de una familia judía ultraortodoxa, donde la joven Sira de 18 anos, la más joven de la familia Medelman, está a punto de comprometerse con un joven de la misma edad y entorno social y religioso.

Como toda esposa antes de casarse, Sira vive con sorpresa y excitación el momento del compromiso y de los preparativos familiares, cuando de repente en la fiesta de Purim su hermana mayor muere justo cuando da a luz a un niño, lo que supondrá aplazar sine die la boda de Sira.

Buscando su cuñado una nueva madre para su hijo recién nacido, encuentra una viuda en Bélgica, que de casarse con ella supondría para la madre de Sira que dejaría de ver a su nieto, por lo menos, frecuentemente.

Para evitarlo tramará para conseguir que Sira se case con su yerno, de manera que pueda indirectamente conservar a su nieto, y que ésta a su vez llene el vacío que se ha producido con la muerte de su hermana.

El amor, la volubilidad de los sentimientos y las relaciones sociales constituyen el principal tema de la trama, que situándola en un entorno tan peculiar, a la vez que nos enseña muchas cosas de la tradición judía hasídica, nos hace ver su universalidad independientemente de dónde tengan lugar.

La directora Rama Burshtein, en la que es su ópera prima, cuenta una historia de amor basada en el estudio de los sentimientos, con el mérito adicional de que los actores -judíos ultraortodoxos- lo hacen como auténticos profesionales.

La película fue presentada con éxito en el Festival de Venecia de 2012, donde la actriz protagonista, Hadas Yaron, además ganó la Copa Volpi a la Mejor Actriz. 

Un giorno speciale (2012), Francesca Comencini

Gina es una chica de una barriada de las afueras de Roma que quiere ser famosa. A través de un amigo de un familiar su madre le ha conseguido una cita con alguien importante que le ayudará a tener su primera prueba.

El día de la cita su propia madre le ayuda a ponerse muy guapa, mientras el chófer Marco la espera en su también primer día de trabajo con un Mercedes lujoso para acompañarla.

De camino les llaman para decirles que no pueden recibirla hasta por la tarde por lo que tienen que hacer tiempo dando vueltas por Roma. La espera hará que tengan tiempo para conocerse bien y sentirse fuertemente atraídos.

Cuando por la tarde finalmente reciben a la chica, se descubre que la cita en realidad es una excusa para que Gina acceda a un encuentro sexual a cambio de su posible prueba para trabajar en el mundo del espectáculo.

Tema de rabiosa actualidad en Italia, donde en los últimos años han surgido innumerables casos de chicas que pasan por esta situación, con el agravante de que en muchos casos han sido las propias familias las que les han empujado a hacerlo en busca de una fama y notoriedad que además reporte dinero a la familia.

Comencini pone énfasis en la dureza del encuentro sexual, con la anuencia de la propia madre y de una sociedad de concepción machista, donde el dinero puede determinar la suerte de las personas, en contraposición con el amor puro e inocente de los dos jóvenes.

Cine comprometido aunque desafortunadamente de una manera un poco tendenciosa, antes de terminar la película ya se puede apreciar cuál es la orientación clara que la directora quiere dar al problema, culpando del problema al sistema, sin que al parecer tenga nada que ver la libertad de elección que siempre tiene la persona.

La película ha sido presentada en la edición del año 2012 del Festival de cine de Venecia donde pasó más o menos desapercibida.

Linhas de Wellington (2012), Valeria Sarmiento. (Las líneas de Wellington)

El 27 de septiembre de 1810, durante la invasión napoleónica de la Península Ibérica, las tropas del mariscal Massena son derrotadas en la Sierra de Buçaco por la armada anglo-portugesa dirigida por el General Wellington.

A pesar de la victoria, los portugueses y los británicos se ven obligados a retirarse debido a la llegada de nuevas tropas francesas muy superiores en número y para poner en práctica su estrategia, atraerlos a Torres Vedras -pueblo estratégico que franquea la entrada a Lisboa- donde Wellington ha hecho construir líneas fortificadas.

Para llevarla a cabo, Wellington en la retirada progresiva ordena la evacuación de todas las tierras dando lugar a una gigantesca operación de tierra quemada con el objetivo de privar a los franceses de cualquier aprovisionamiento en su avance.

Esta estrategia al final resultará ganadora, porque una vez el exhausto ejército francés llega a Torres Vedras, no encontrándose en condiciones de lanzar el ataque final, iniciará su retirada definitiva hacia España.

Es una historia coral en un contexto histórico acaecido realmente de una serie de personajes completamente diferentes -soldados y civiles, aristócratas y campesinos, hombres, mujeres y niños, y de distintas nacionalidades-, con los que la guerra no distingue en el sufrimiento y a los que provoca evacuaciones en condiciones penosas, buscando salvar sus vidas entre pueblos en ruina y paisajes devastados.

Planteada como una serie de televisión de la que se extraído una película de la que se puede decir que en general está muy bien realizada y resulta bastante entretenida.

Inicialmente iba a ser dirigida por el cineasta chileno radicado en Francia Raúl Ruiz, pero que debido a su repentina muerte, la realización fue finalmente llevada a cabo casi íntegramente por su esposa, la también cineasta Valeria Sarmiento.