Magic in the Moonlight (2014), Woody Allen. (Magia a la luz de la luna)

Nuova comedia romántica de Woody Allen ambientada en la Francia previa a la 2ª Guerra Mundial, durante la época dorada del jazz.

Un inglés cínico y descreído -interpretado por Colin Firth, en lo que podría ser el álter ego de Allen- es llamado por un amigo para que venga a Francia a conocer a Sophie, una médium que supuestamente tiene dotes extraordinarias de adivinación y contacto con el más allá.

Lo que al principio será una relación conflictiva por su empeño en desenmascararla, poco a poco el trato irá limando asperezas para dar paso al amor ante la sorpresa de todos. 

Comedia simple sin mucho interés pero que está filmada con una gran elegancia y delicadeza, lo que ya sólo por eso hace que merezca la pena. Lástima que este frenesí de película casi anual impida una creación más elaborada, aunque el talento de Allen se vea en todos los detalles.

Excelente música además, como suele ser habitual en las películas de este director, donde yo destacaría "La consagración de la primavera" de Stravinsky: http://www.epdlp.com/clasica.php?id=712,  o también "La Sinfonía nº 9, molto vivace", de Beethoven: http://www.epdlp.com/clasica.php?id=1010.

El Niño (2014), Daniel Monzón

Thriller español en el contexto del narcotráfico en el Estrecho de Gibraltar que cuenta la iniciación de dos jóvenes en este mundo, en contraste con dos agentes de policía especializados en desmantelar redes de drogas.

Además de la acción en sí como hilo conductor de la historia subyacen las historias personales de los personajes, las envidias personales y profesionales entre los policías, el enamoramiento entre otros de ellos, la pareja de jóvenes delincuentes, uno de ellos muy listo que al final saldrá adelante, otro de ellos, con menos personalidad que se deja arrastrar y que al final será carne de cañón, en definitiva, la vida misma.

Meritoria película que resulta muy entretenida y que realza el valor del cine español, poco dado a tratar este tipo de género de acción, que quizás resulta poco valorado y donde se necesitan producciones con mayores inversiones.

Realizada por Daniel Monzón, el mismo director que tanto nos gustó en Celda 211 (2009), y que está especializado en un cine de más acción.  En la XXIX edición de los premios Goya tuvo un montón de candidaturas para al final sólo ganar 3 en categorías técnicas y la de la mejor canción.

Quadrophenia (1979), Franc Roddam

Película británica de 1979 basada en la ópera rock de 1973 sobre el grupo The Who que constituye un clásico del cine musical.

La trama se desarrolla en Londres en el año 1964 con la rivalidad de dos grupos de jóvenes, los mods, bien vestidos y que se mueven en sus scooters italianas; y los rockers, con una estética alternativa en cuero, con grandes motocicletas y que escuchan música rock.

Un puente de tres días proporciona a ambos bandos la excusa para librar una violenta batalla en la ciudad costera de Brighton, donde el protagonista será arrestado, por lo que su madre le echará de casa y encima su novia se liará con su mejor amigo. Todo ello provocará la famosa escena final de la película.

La trama es un reflejo de la Gran Bretaña de los años 60, del consumo de las anfetaminas y de las batallas campales entre bandas rivales que se sucedieron en diversas ciudades costeras.

Interesante ver actores jovencísimos que ahora se han convertido en habituales del cine inglés, como Ray Winstone o Timothy Spall, o el mismísimo Sting.

Barbecue ( 2014), Éric Lavaine.

Antoine es un poco el alma máter de una pandilla de amigos franceses de toda la vida que se reunen periódicamente. Dentro de ellos están todos los arquetipos: la pareja de pesados, el aburrido, el ligón o la bipolar, por citar algunos, todos ellos con batallas acumuladas del pasado, pero que sin embargo todavía mantienen la amistad.

Un día Antoine sufre un infarto, lo que le valdrá un aviso serio de los médicos y un cambio de vida radical. Sin embargo el se negará a hacer caso a los médicos y lo que sí que cambiará será la relación con sus amigos.

Comedia francesa de amigos cincuentones que se comportan de una manera en grupo para guardar las apariencias y que no se rompa la convivencia, mientras en privado se critican y disimulan sus defectos que son de todos conocidos.

En este blog ya comentamos otra similar también francesa, http://elcazadordecine.blogspot.it/search?q=mouchoirs, también muy bien realizada, con buenos actores y que tiene tantas similitudes con la vida real.

De la misma manera que en esa película de Canet, menciono la excelente música de ésta, una versión moderna sin letra de la conocida aria de Léo Delibes en Lakmé http://www.epdlp.com/clasica.php?id=193, que siempre se agradece escuchar.

Presentimientos (2013), Santiago Tabernero

Julia y Félix son un joven matrimonio que pasan por una crisis sentimental desde que tuvieron a su hijo y Julia dejó de trabajar y se pasa todo el tiempo en casa.

Para superar el mal momento deciden alquilar un apartamento en la costa valenciana para pasar los 3 unos días.

Cuando una noche Julia sale con el coche para ir a comprar panales al niño tendrá un accidente con el coche y empezarán a sucederse cosas extrañas.

Basada en la novela homónima de Clara Sánchez, está protagonizada por Eduardo Noriega y Marta Etura, dos actores jóvenes pero con mucho oficio que logran hacer que la película sea entretenida.

Mitad historia romántica mitad thriller, a través de los sueños y los delirios de Marta  se logra mantener una tensión narrativa que hace que la película te enganche y que te haga preguntarte qué es lo que está pasando realmente.

Merece destacar la música melódica del grupo Russian Red que suena en varias escenas y el nuevo rol de Noriega como guionista.

A Late Quartet (2012), Yaron Zilberman. (El último concierto)

Un cuarteto de música de cámara se prepara para tocar su último concierto, simbólicamente el Opus 131 en Do menor sostenido de Beethoven, cuyo autor quiso que se tocara sin pausas, según parece, para provocar desasosiego en sus intérpretes.

En torno a la preparación de este concierto aflorarán las vidas privadas de sus miembros. Al maestro del grupo que lo fundó hace 25 años le diagnostican un principio de Parkinson, lo que supondrá la retirada definitiva de los escenarios y la nostalgia por el intenso recuerdo de su amada esposa muerta tempranamente.

A la hora de tomar el relevo cumpliendo la supuesta intención de Beethoven aparecerán disputas entre sus miembros y supondrá el enfrentamiento entre ellos.

Refinado contexto neoyorquino en el que director aprovecha para hacer un repaso a muchas facetas de la condición humana, la enfermedad, la muerte, el amor, el desamor, la envidia, que a todos en momentos nos alcanzan en nuestras vidas.

Con un reparto de primer nivel donde destaca un excelente Christophen Walken, que finalmente hace un papel donde puede demostrar su talento y no esos que ha estado haciendo los últimos años de hombre maduro todavía no anciano pero con serios síntomas de demencia senil. También destaca el siempre genial Philip Seymour Hoffman y la menos conocida pero con una trayectoria impresionante Catherine Keener.

Lograda mezcla de cine de autor y cine comercial que se está convirtiendo en una tendencia para tratar de atraer el público a las salas de cine. Esperemos que perdure y nos compense de tanta película de monstruos y de guerras del fin del mundo.

De tu ventana a la mía

Inés, Violeta y Luisa, tres mujeres, tres épocas, tres edades en la vida y tres entornos particulares.

Una historia de amor, otra de desamor y una de la falta de amor y con enfermedad.

Retrato de la experiencia femenina en distintas generaciones, acerca de sueños, ilusiones, pasiones y sufrimientos, en los que el entorno y la sociedad del momento juegan un papel fundamental.

Curiosamente la libertad y el progreso, paradojas de la vida, no ayudan a resolver la incógnita del amor.

Filmada con una gran sensibilidad por la joven directora novel Paula Ortiz y con una excelente fotografía, junto con la música de Caspi http://www.youtube.com/watch?v=A_3N4mdLm_c  logra crear un ambiente poético.

La grande bellezza (2013), da Paolo Sorrentino

Jep Gambardella es un periodista de 65 años que lleva una vida mundana en Roma, acudiendo a fiestas de una jet-set trasnochada y escribiendo críticas de eventos culturales contemporáneos que son una impostura.

En su día escribió un libro que tuvo mucho éxito y desde entonces no ha vuelto a escribir otro. Mientras, alterna su cinismo y desinterés por las cosas asistiendo a fiestas modernas de gente bien, con paseos por los palacios y jardines más bellos de Roma, donde da rienda suelta a su melancolía.

Película que se supone que pretende mostrar los contrastes entre la decandencia de una clase romana favorecida y la belleza del entorno, a modo de continuación de "La Dolce Vita" de Fellini, con escenas de exageración imaginación, pero de una gran belleza cinematográfica, como la de la jirafa en medio de unas ruinas romanas o los flamencos que se posan en la terraza de su apartamento.

Excelente banda sonora con temas especiales: Sinfonía nº 3 "Las lamentaciones", 2º mov. de Gorecki: http://www.epdlp.com/clasica.php?id=289, o Sinfonía nº 1, 2º mov. Adagio de Bizet: http://www.youtube.com/watch?v=3wM8Ttz10TY, excelente fotografía, unos cuantos momentos de poesía, otros de genialidad creativa, una cuantas frases ingeniosas, pero sobre todo, Roma, en todo momento presente y gran protagonista de la película, con imágenes de sitios inéditos porque no están abiertos al público y otros por conocidos igualmente maravillosos.

Supone la cuarta colaboración entre Sorrentino y Servillo, ambos de Nápoles, con una ironía común, como dice el propio director: "Intento reinventar la realidad con la imaginación".

Presentada en el Festival de Cannes con cierta expectación, al final no tuvo ningún premio, seguramente el excesivo metraje que hace que en algún momento se haga larga y las libertades con la fantasía del guión no le hayan ayudado mucho.

Miele (2013), Valeria Golino

Miele se dedica de forma clandestina a ayudar con el suicidio asistido a enfermos terminales con fármacos que compra en sus viajes a México camuflada en excursiones para turistas, siendo su exnovio médico el que le facilita los contactos.

Mientras, lleva una vida aparentemente normal, sin que ni su padre ni su novio sepan que realmente no es una estudiante. La muerte temprana de su madre por una enfermendad incurable despertó este impulso en ella de ayudar a los demás.

Todo cambia el día que descubre que esta ayudando a morir a un ingeniero depresivo que no tiene ninguna enfermedad terminal.

Reflexión profunda acerca de un tema escabroso, donde en Italia algunos casos han causado un fuerte debate en la opinión pública.

Buena actuación de Jasmine Trinca, una de las jóvenes actrices italianas más consolidadas. Fue elegida por Nani Moretti para un papel en La habitación del hijo (2001) y desde entonces no ha parado de hacer películas. En esta, quizás pretendiendo dar un carácter más transcendental a su personaje, en algún momento da la impresión de que sobreactúa.

Meritoria ópera prima de la actriz Valeria Golino, bastante bien filmada y con una notable armonía entre la fotografía y la música. A pesar de que tuvo muchos problemas para encontrar productores, fue muy bien recibida por el público e incluida en una de las secciones de la reciente edición del Festival de Cannes de 2013.

Il caimano (2006), Nanni Moretti

Un productor cinematográfico de films de serie B que en el pasado se dedicaba al cine trash con su esposa de actriz, de repente se encuentra que su casa de producción está a punto de quebrar y que su matrimonio lo mismo.

La única buena noticia es que una joven directora de cine le pide ayuda para filmar un película titulada El Caimán, que cuenta la historia de Silvio Berlusconi.

A partir de aquí esta película que van a filmar se desarrolla al mismo tiempo que la historia afectiva y personal del productor, un Silvio Orlando que hace una interpretación magistral, de un hombre bueno cuya vida se viene abajo porque los negocios no funcionan y su mujer deja de quererlo.

Mientras la historia paralela de la película que están filmando no sale adelante porque nadie cree en el proyecto de narrar la vida de un hombre hiperprotagonista de la vida pública italiana de los últimos 20 años, que supuestamente a nadie interesa, donde al final sólo podrán rodar la última escena en la que el Caimán entra en el juzgado para escuchar la sentencia de condena de 7 años, lo que sí termina por consumarse es su divorcio, sumiéndolo en una pena profunda, que además conlleva la suspesión de la vida familiar con sus dos hijos pequeños.

Al salir del juzgado el Caimán hará la usual arenga a la parcialidad de los jueces, con la escena final en la que paradójicamente él sale aclamado por él público y la gente en cambio se encara con el juez.
 

Maravillosa la música de la escena en la que Margherita Buy está cantando en el coro el Dixit Dominus, salmo de Haendel (HWV232):

Y también el discurso final donde el propio Moretti interpreta al Caimán y mientras su chófer lo lleva a su domicilio hace un análisis de lo que ha sido la vida política en los últimos años, a lo que se puede añadir que en los últimos siete siguientes tampoco ha cambiado mucho.

Nanni Moretti fue nominado a la Palma de Oro de Cannes de 2006 por lo que a mí parece una maravillosa doble película.

Le dernier métro (1980), François Truffaut. (El último metro)

Durante la ocupación alemana de París de la Segunda Guerra Mundial, un director de teatro judío se ve obligado a esconderse en la bodega del teatro simulando que ha huído del país, mientras su mujer Marion y los actores del grupo ensayan y presentan una obra.

Un crítico de teatro pronazi que sospecha de la repentina desaparición del director hace una crítica violenta de la obra, lo que le vale la agresión de Granger uno de los actores y como represalia la amenaza de incautación del teatro por haber sido propiedad de un judío.

La mujer del director de teatro se enfandará mucho con el actor por su imprudencia, dejándose de hablar y limitándose a trabajar en la obra, que además está teniendo un gran éxito de público.

Posteriormente el actor decide dejar la obra para unirse e la Resistencia. En el momento de la despedida inician una relación amorosa. Mientras el director del teatro comienza a acusar el enclaustramiento, junto al miedo a la detención por parte de los nazis empieza a tener un nuevo temor, piensa que su mujer se ha enamorado del actor rebelde.

Entre fantasía y realidad Truffaut aprovecha la vida de un teatro para retratar una época muy particular de Francia, la de la lucha contra los alemanes, pero la de también muchos colaboracionistas, que marcó al país durante los años venideros y que hasta hace relativamente poco constituía todavía un motivo de polémica.

Galardonada con 10 premios César, el David de Donatello y candidata al premio Óscar, es una de las películas más conocidas de la Nouvelle Vague.

La música es del maestro Georges Delerue, que compuso la banda sonora de muchas películas de la Nouvelle Vague entre las cuales la inolvidable El Desprecio de Godard: http://www.epdlp.com/bso.php?id=192

Blue Valentine (2010), Derek Cianfrance

Dean es un operario de una empresa de mudanzas que un día transportando los muebles a un jubilado en un asilo conoce a Cindy, una enfermera que está visitando a su abuela, de la que se enamora perdidamente.

Después de cortejarla insistentemente, de pegarse incluso con su novio, al final consigue que ésta se enamore de él, que se casen y tengan una hija.

Con el paso del tiempo la apatía y el desinterés por mejorar en la vida de Dean se transformarán en un obstáculo insalvable para Cindy que hará que se desenamore de él.

Dura película que nos muestra de una manera fría cómo el amor puede surgir en cualquier momento y de la misma manera irse, dejando a los enamorados sumidos en la más profunda tristeza.

Si a eso le añadimos el característico desarraigo familiar del mundo anglosajón, que en esta película se hace más notorio, el padre de ella maltrata desde siempre a su madre, y los padres de él desaparecieron de su vida hace tiempo, el resultado es de una tristeza enorme, para la que el director no ve salida alguna, el amor no existe a largo plazo, tan solo puede ser una ilusión en un momento dado, pero tarde o temprano se transformará en una cosa dolorosa.

Para hacerlo todo más evidente, el director va constantemente adelante y atrás en el tiempo con la idea de mostrar de manera consecutiva momentos idílicos de la pareja con otros de grave conflicto, sin que sobre el papel haya cambiado nada en el entorno.

Protagonizada por un ahora ubicuo Ryan Gosling como él mismo se autodefine y por Michelle Williams que fue candidata al Óscar como mejor actriz en 2011. Bastante recomendable también la banda sonora de Grizzly Bear.

I cento passi (2000), Marco Tullio Giordana. (Los cien pasos)

Los cien pasos narra la historia real de la vida y del asesinato de Peppino Impastato, dedicado a la lucha contra la mafia en su tierra natal de Sicilia.

Los cien pasos es la distancia que hay en Cinisi, el pequeño pueblo de Sicilia donde vive, entre la casa de su familia y la del boss mafioso Tano Badalamenti.

Peppino intenta rebelarse contra el destino inexorable de dominación de la mafia que su propio padre vive, un poco por inercia, otro poco porque teniendo mujer e hijos no le conviene rebelarse.

Animado de un espíritu cívico y con el ímpetu y la irresponsabilidad que da la edad, Peppino junto con su hermano y dos amigos más fundarán una radio casera desde la que lucharán sin cuartel contra Don Tano, el mafioso local, denunciando públicamente todas sus fechorías.

Como no podía ser de otra manera, con el tiempo se hará demasiado incómodo para la mafia que lo hará desaparecer, lógicamente con saña, para que sirva de ejemplo a otros posibles futuros voluntarios.

Película dirigida por Marco Tullio Giordana que se consagraría 3 años más tarde con "La mejor juventud", que le daría reconocimiento internacional.

Excelente banda sonora donde destacaría la Sinfonía nº2 "Resurrección" de Mahler http://www.epdlp.com/clasica.php?id=737 y todo un compendio de excelentes canciones de la época con Modugno, The Animals o Cohen, entre otros.

Amitiés sincères (2013), François Prévôt-Leygonie et Stéphan Archinard. (Las amistades sinceras)

Paul, Walter et Jacques son tres buenos amigos cincuentenarios que tienen maneras de ser muy diferentes, pero que mantienen el rito de verse periódicamente para compartir una comida y un vino excelente.

Jacques es el intelectual convertido ahora en librero y escondiendo a medias su homosexualidad. Walter está divorciado, vive con su hija de 20 años y es el jefe de un restaurante que busca la estrella de Michelin, cuyo carácter generoso y a la vez invasivo acaba siendo molesto muchas veces para todos. Finalmente Paul es el escritor en crisis de ideas, con un matrimonio a la deriva y que se liará con la hija de Walter para desencadenar el gran putiferio.

Interesante reflexión sobre la amistad y la sinceridad entre los seres queridos, sobre las manías de cada uno, cómo son soportadas u obviadas en pos de la convivencia. Como resumen podríamos usar el aforismo de Bioy Casares: "La vida es difícil. Para estar en paz con uno mismo hay que decir la verdad. Para estar en paz con el prójimo hay que mentir".

Buena película en general cuyo final un tanto melifluo empaña su valoración global. Merece la pena destacar la melodía que suena de fondo en varias ocasiones, un allegretto compuesto sobre la base del 2º movimiento de la 7ª sinfonía de Beethoven: http://www.epdlp.com/clasica.php?id=1006

Searching for Sugar Man (2012), Malik Bendjelloul

Mientras todo el mundo conoce a Bob Dylan, nadie conoce a Rodríguez (Sugar Man), un cantante que a comienzos de los años 70 editara dos discos en los EEUU, que siendo bien recibidos nunca tuvieron éxito de ventas, y que quién sabe si con una buena promoción hubiera llegado a tener el mismo éxito.

Lo curioso es que en su día alguien llevó una copia de un disco suyo a Sudáfrica sin que él se enterara de ello y su música se convirtió en poco menos que en la banda sonora del movimiento antiapartheid de los blancos sudafricanos, con miles de seguidores que reclamaban su presencia.

Por aquel entonces corría la noticia de la muerte de Rodríguez, algunos decían que se había prendido fuego en el escenario, delante de su público, otros que se había pegado un tiro en directo, el caso es que nunca llegaron ni a conocerlo ni a tener más música suya.

Los editores sudafricanos enviaban mucho dinero por los royalties a la casa discográfica norteamericana, sin que este dinero le llegara al propio Rodríguez, que se ganaba la vida muy modestamente como obrero de la construcción en Detroit. La casualidad quiso que un día muchos años después Rodríguez fuera a Suráfrica y en loor de multitudes recibiera un reconocimiento que nunca había tenido.

Toda esta historia ha llevado a dos sudafricanos a intentar descubrir lo que pasó con este cantante y este documental es la reconstrucción de esta aventura.

Se presentó oficialmente en el Festival de Sundance y resultó ganador del Óscar 2013 al mejor largometraje documental.

Django Unchained (2012), Quentin Tarantino. (Django desencadenado)

En 1858 varios esclavos negros son transportados a través de Texas por los hermanos Speck. En su grupo está Django quien fue separado de su esposa Broomhilda.

El grupo se encuentra con el doctor Schultz, un dentista alemán y que a escondidas se dedica a cazador de recompensas. Schultz libera a Django y mata a uno de los hermanos Speck, dejando al otro para ser asesinado por los esclavos ahora libres.

Schultz revela que él buscó a Django para ayudarle en la identificación de los tres hermanos Riddle, un trío de asesinos despiadados que trabajan para los propietarios de las plantaciones. Schultz confiesa que su caza de recompensas es oportunista, pero hace hincapié en que, como Django, desprecia la esclavitud. Los dos llegan a un acuerdo: a cambio de ayudarle a localizar a los hermanos Brittle, Schultz liberará a Django de la esclavitud, le dará $75 y un caballo. Después de cazar y matar a los hermanos Brittle, Schultz se lleva a Django como socio en la caza de recompensas.

Llena de guiños a los spaghetti western de los años 60 y 70, de los que toma el nombre incluso la película, con sus ingeniosas excentricidades, con buena música de todos los géneros, desde al rap más radical hasta canciones de época de Ennio Morricone, la cabalgada de los jinetes del Ku Klux Klan que buscan ajusticiar a los protagonistas la hace con la música de fondo del Dies Irae del Requiem de Verdi: http://www.epdlp.com/clasica.php?id=764, y, por supuesto, con balas, agresiones salvajes, matanzas y litros y litros de sangre que salpica todo, dentro de numerosas escenas de violencia extrema que siempre se inician por un detalle insignificante en medio de una conversación pausada. Hay que reconocer que es un gran genio, como decimos lleno de tics que se repiten en sus películas, pero con una imaginación desbordante y con un inmenso talento que te cautiva por completo.

También destacaría que Tarantino tiene momentos de inteligente humor absolutamente genial, me viene a la memoria la conversación de la banda acerca de Madonna al inicio de Reservoir Dogs, y en esta película la escena previa al ataque del Ku Klux Klan es memorable, para mí lo mejor de la película:

Tuvo cinco nominaciones a los Óscar 2013 y obtuvo 2 estatuillas: la del mejor actor de reparto Christopher Waltz (que lo ganó también en la anterior película de Tarantino, Bastardos sin gloria) y al mejor guión original al propio Tarantino.

Viva la libertà (2013), Roberto Andò

Sátira de la clase política italiana narrada a través de la crisis vital del jefe del partido de la oposición que viendo cómo cae paulatinamente en las encuestas de intención de voto justo antes de una cita electoral y a las puertas de una depresión porque ni sus propios correligionarios le quieren, decide desaparecer quitándose de en medio por unas semanas.

Por una casualidad su hermano gemelo, que lleva años entrando y saliendo de diversos sanatorios psiquiátricos, lo suplantará sin que ninguno se dé cuenta, logrando también cambiar radicalmente su visión política y obteniendo la simpatía de los votantes.
 
Así mientras el político aprovecha para escaparse a París e intentar reverdecer el amor juvenil con una francesa ahora casada con un director de cine asiático y con hijos, el hermano loco aprovecha para llevar la literatura a la política, con constantes citaciones de Brecht y de referencias poéticas, y divertirse haciendo el payaso allí donde va, como en la escena en la que juega a esconderse del Presidente de la República detrás de un globo terráqueo en el mismo Palacio del Quirinale.

Adaptación de la novela El trono vacío del propio Roberto Andò, con un humor surrealista y guiñolesco, al final resulta un elogio de la locura, dándonos a entender que la política, tal y como la conocemos, no tiene ningún sentido. Con grandes similitudes con la vida política italiana es imposible que resulte más real, lo que le ha supuesto el fervor mayoritario del público y algunas críticas feroces por lo que supone de sátira del sistema político actual.

Destacada la interpretación de Toni Servillo en el papel de los dos gemelos y la de Valerio Mastandrea, lleno de cinismo y oportunismo, en el de portaborse del político (secretario político multifunciones, papel tan extendido en Italia y que tantas implicaciones tiene).

Excelente también la banda sonora, donde destacaría el aria de La Forza del destino de Verdi http://www.epdlp.com/clasica.php?id=1243, que de manera recurrente le sirve a uno de los gemelos para escenificar sus payasadas.

Anna Karenina (2012), Joe Wright

Basada en la novela clásica de León Tolstoi, la historia tiene lugar en el siglo XIX y explora varias relaciones entre los miembros de la alta sociedad rusa.

Ana Karenina está casada con un oficial de alto rango del gobierno ruso y se enamora apasionadamente del joven oficial Vronski, por el que abandona a su esposo y a su hijo para seguirlo, para después quedarse embarazada y soportar la humillación de la alta sociedad rusa por haber contravenido las rígidas e hipócritas normas de comportamiento social.

La película está dirigida por Joe Wright que ya dirigió a Keira Knightley en Orgullo y prejuicio y Expiación, siendo el famoso director de teatro Tom Stoppard el encargado de la escenografía, que ha dado tanto que hablar, gustando mucho o nada. A mí particularmente me ha parecido completamente desafortunada.

La idea de que sea como una obra de teatro dentro del cine o viceversa, donde no hay fronteras entre lo real y la ficción, entre un ambiente y otro, congelando físicamente el movimiento de los personajes secundarios para dar realce al de los principales, sin que tengamos en cambio la oportunidad de ver los exteriores de Moscú o de San Petersburgo, que es el envoltorio que enmarca la grandeza de los palacios que vemos por dentro, porque el director ha renunciado al contexto.

Quizás se pueda salvar alguna idea suelta, como la de la recurrente figura del tren, que en la novela está tan presente en los sueños de Ana Karenina y que en la película se introduce ya al principio con los niños jugando con un tren de juguete o en el primer encuentro entre Ana y su amado, hasta llegar al dramático final en la estación.

En definitiva, eso de que los autores le pongan su impronta de manera que al final tenga más preponderancia su aportación que la obra en sí me parece un despropósito, el hecho de que cuando salgas del cine pienses que has visto a Stoppard y no a Tolstoi.

Habiendo tenido 4 nominaciones a los Óscar de 2013, de las que yo destacaría la de la banda sonora de Dario Marianelli, sin embargo ha ganado el Óscar al vestuario.

Les Misérables (2012), Tom Hooper

Adaptación del famoso musical que lleva el mismo nombre, que a su vez está basado en la novela de Víctor Hugo, se desarrolla en el período posterior a la caída de Napoleón hasta las revueltas revolucionarias de 1830.

Narra la historia de Jean Valjean, un individuo que es enviado a prisión tras robar un trozo de pan con el que pretendía alimentar a sus sobrinos y a su hermana viuda.

Tras huir de la cárcel y del inspector Javert, el policía que le hará la vida imposible durante muchos años, Valjean mientras prospera y se hará un hombre de bien que ayudará a Fantine, una mujer que también ha sufrido demasiados infortunios a lo largo de su existencia, haciéndose cargo de su hija pequeña, a la que cuidará durante toda su vida.

Típica historia decimonónica acerca de gente que sufre terribles injusticias y de otras personas que las cometen sin la más mínima misericordia, lo que provoca que el espectador se sienta muy conmovido e involucrado en la trama.

Con un reparto de excepción, destaca la interpretación de Anne Hathaway, tremenda actriz y la nominación de nada menos que a 8 Óscars de la Academia.

Para ser un musical, que nunca me gustan ni en el cine ni en los teatros, he de decir que gracias a los actores resulta bastante convincente, con el añadido de que son ellos mismos los que cantan muy meritoriamente, a pesar de que en la versión de la película doblada al español se solapan las voces cantadas en inglés con las voces dobladas en español cuando no cantan, lo que hace un efecto horroroso. Elvira Lindo comentaba lo mismo recientemente en uno de sus artículos.

 

Main dans la main (2012), Valérie Donzelli

Cuando Elena y Joaquín se conocen, tienen vidas completamente diferentes, ella dirige la prestigiosa Escuela de Danza de la Ópera Garnier en París y él es un empleado en una empresa pequeña de espejos en una ciudad a las afueras de la capital.

Elena tiene detrás de sí nada menos que al Ministro de Cultura, que no para de cortejarla, que ella con su carácter arisco se permite de despreciar, mientras vive con su inseparable amiga Constanza.

Cuando Joaquín, que tiene como 20 años menos que ella, va un día a la Ópera a entregar un vidrio se producirá el encuentro, intercambiando por error un rápido y furtivo beso, se producirá algo impensable e inexplicable, de repente una fuerza invisible les une de tal manera, dando lugar a una locura que hará que nunca más puedan separarse.

A partir de entonces se convertirán en dos imanes que pasarán las 24 horas del día juntos, en el baño, por la calle, en la cama, como si estuvieran bailando un vals interminable, hasta que el encanto se rompe. 

Tercera película de una directora joven que había sorprendido con su anterior película Declaración de guerra, realizada junto a su pareja Jérémie Elkaïm -nuestro Joaquín de esta historia, donde ella hace también de su hermana-, donde narraban la enfermedad de su hijo de 18 meses y que fue muy bien recibida en Cannes en 2011.

Entiendo que para cambiar de registro y quizás no pecar de vanidosos han realizado esta película totalmente diferente, con el único interés, aparte de nuestro amadísimo París y su ópera, de ver a la excelente actriz Valérie Lemercier, cómica adorada en Francia por su gran versatilidad y humor inteligente.

Lo que a mí me parece un intento de ser una película surrealista, grotesca y divertida a partes iguales, e incluso en ocasiones conmovedora, creo que al final resulta ser simplemente una película insulsa.