Memories of murder (2003), Bong Joon-Ho. (Crónica de un asesino en serie)

Apasionante thriller coreano que se inspira en la historia real del primer asesino en serie conocido en Corea, cuyos crímenes tuvieron lugar entre 1986 y 1991 en una provincia alejada de la capital, donde las víctimas son brutalmente violadas y asesinadas, para después aparecer con sus extremidades amarradas con su propia ropa interior.

Ante la incapacidad de los detectives de la policía local para resolver el caso, enviarán a otro inspector desde Seúl para ayudarles en la investigación, cuyos métodos más reflexivos y metódicos entrarán en conflicto con la manera de proceder tradicional de estos policías de provincia de recurrir a la violencia física.

Filmada básicamente con planos fijos donde la cámara nunca se mueve, sin efectos especiales y ni siquiera contraplanos, consigue cautivarte de principio a fin, a pesar de ser una historia que repetidamente se ha llevado al cine, el director coreano Bong Joon-Ho logra crear una modesta joya cinematográfica digna de ver y de disfrutarla como algo original y raro por su calidad.

Fue presentada en el Festival de San Sebastián donde fue galardonada con el premio FIPRESCI, el premio Nuevos Directores y la Concha de Plata al mejor director en el año 2003.

American Sniper (2014), Clint Eastwood

Película de acción que se basa en la autobiografía de Chris Kyle, un soldado estadounidense del cuerpo de élite "Navy Seals", que durante la invasión de Irak y la posterior guerra en 2003 se convirtió en el francotirador más letal de la historia militar de los Estados Unidos.

Crecido en la Texas profunda de padres religiosos, desde pequeño se acostumbró a tener armas y a vivir en un ambiente muy conservador.

La película está protagonizada por un Bradley Cooper que borda su papel de soldado americano convencido de su misión y del deber de defender la patria, lo que ha causado un gran debate, porque no queda claro si es un film belicista, que aplaude el asesinato de soldados y civiles indiscriminadamente en guerras extranjeras, o un simple relato de tantos soldados que luchan por su país convencidos de que lo que están haciendo es lo correcto.

A mí me parece que es una visión realista de cómo muchos americanos entienden el mundo, lo que en cambio a nosotros europeos nos parece una actitud beligerante y belicista, pero que ellos lo interpretan de una manera natural como la defenda se su país y de su cultura.

 

El propio Kyle a su vuelta de la guerra sufre estrés postraumático y decide reinsertarse en la vida cotidiana ayudando a soldados que ha sufrido graves mutilaciones o trastornos psíquicos serios, uno de estos últimos, paradojas del destino, será el que en 2013 lo asesinará cuando éste lo está ayudando en su terapia cotidiana.

Con unas cuantas nominaciones a los Óscar 2015 en las categorías más prestigiosas, se ha convertido en un gran éxito de taquilla, batiendo incluso las cifras de ingresos de la película bélica hasta ahora más taquillera, "Salvar al soldado Ryan" de Spielberg.

Sea como sea, la película está filmada primorosamente, como siempre con el gran nivel al que nos tiene acostumbrados Eastwood, en cuanto al fondo podemos discutir lo que queramos, la guerra no gusta a casi nadie, cada uno lo interpretaremos como nos parezca, pero la historia nos la cuentan muy bien, que a fin de cuentas es de lo que se trata.

The Salt of the Earth (2014), Wim Wenders & Juliano Ribeiro Salgado. (La sal de la tierra)

Desde hace cuarenta años el fotógrafo brasileño Sebastião Salgado recorre los continentes captando con su cámara tribus y paisajes que parecen estar al margen del resto del mundo.

Testigo durante estos años de grandes acontecimientos, conflictos bélicos, hambrunas, éxodos, etc., ahora se dedica a fotografiar grandiosos paisajes para inmortalizar una flora y faunas salvajes, dentro de un nuevo proyecto fotográfico muy ambicioso, que sirva de tributo a la belleza del planeta.

Aparte del impresionante trabajo artístico del fotógrafo, destaca también su empeño y su sacrificio personales, las larguísimas ausencias de su casa natal, en épocas en los que los transportes y las comunicaciones no eran tan sencillas, deja entrever una dedicación casi misionera, propia de aquel que se siente predestinado a realizar una tarea que está por encima de su propia vida.

Lo mismo cabe decir de su mujer, que ha trabajado con él sin moverse de casa y educando a dos hijos, para posteriormente embarcarse en un innovador y generoso proyecto de reforestación de la tierra de sus suegros, para reconvertir un bosque que además pueda ser usado por la comunidad.

Maravilloso documental filmado por un extraordinario Wim Wenders, con la ayuda de Juliano, el hijo de Salgado, quien le acompañó en sus últimas travesías, lo que también sirvió en gran medida para compensar las largas ausencias del padre durante su infancia.

Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2014 y del Público en el de San Sebastián del mismo, se trata de una pequeña obra de arte que merece realmente la pena.

 

 

The Grand Budapest Hotel (2014), Wes Anderson

Genial delirio cinematográfico de Wes Anderson que pasa por el ser el director de moda ahora en Estados Unidos. Mezcla de cuento, de cómic y de recreación histórica de la europa central durante el nazismo, con grandes dosis de fantasía e ingenio desbordante logra construir una película tremendamente original y única.

 

 

Además, aunque por su formato no lo parece a primera vista, es una sutil parodia y crítica de cómo el nazismo inundó Europa de una manera casi natural, para lo que se inventa un país -la república ficticia de Zubrowka- y unos personajes con los que es muy fácil establecer el paralelismo. El hilo conductor será la historia vital del conserje que entra como aprendiz y acaba siendo el dueño porque la propietaria lo declara heredero universal.

 

Llena de actores de primer nivel, algunos de ellos con papeles mínimos, pero que da una idea de la atracción que ejerce este director, no debe faltar nadie que se precie, aunque sea para rodar un sola secuencia.

 

Catapultado hasta ahora más por la crítica y por las grandes productoras, con esta película debiera lograr el del público. No sé si al final será así, pero a mí me ha gustado mucho y eso que hasta ahora este director no me convencía en absoluto. Su anterior película, Moonrise Kingdom (2012), con Harvey Keitel y Edward Norton de boy scouts en partalón corto, me pareció una marcianada total.
 

En el Festival de Berlín de 2014 ganó el Oso de Plata al Gran Premio del Jurado.

 

Jagten (2012), Thomas Vinterberg. (La caza)

Estupenda narración acerca de los efectos devastadores de una acusación de abusos sexuales a menores para un profesor de una guardería.

Cómo el profundo efecto psicológico que tiene este tema sobre las sociedades hace que las personas estén seguras de haber visto lo que no ha sucedido y la acusación de un inocente se dé por descontada e incluso por necesaria.

La negativa del protagonista a justificar su inocencia le convierte el culpable perfecto que hace que incluso las personas de su entorno más cercano también lo den por descontado.

Excelente película danesa del director Vinterberg, que hace ya más de 15 años firmó una de las 3 películas fundadoras del movimiento Dogma, que en este caso abandona completamente ese estilo para centrarse en contar maravillosamente una historia ordinaria, que logra captar toda tu atención y te provoca el que te sientas involucrado y no puedas evitar el formarte una opinión al respecto.

Nominada al Óscar a la mejor película extranjera para 2014, hubiera sido una digna vencedora de no haberse cruzado en su camino la singular película de Sorrentino "La grande bellezza".

 

De rouille et d'os (2012), Jacques Audiard. (De óxido y hueso)

Stéphanie trabaja como domadora de orcas en un acuario cuando un accidente le provoca la parálisis de las piernas.

Después de un período de profunda depresión y de desgana por la vida conocerá a Alí, un hombre rudo del que se enamorará y se convertirá en su mánager en los combates de boxeo ilegales en los que éste lucha para ganarse un dinero.

Juntos iniciarán el camino afrontando todos los inconvenientes de una vida que se les ha puesto cuesta arriba y que no les da otra salida.

Maravillosa interpretación de la extraordinaria actriz francesa Marion Cotillard, que además seguramente sea la más internacional de su país, que logra hacer creíble un papel difícil de mucho sufrimiento. Destaca también el actor protagonista, el belga Matthias Schoenaerts, que hace también una interpretación soberbia.

Excelente película presentada en el Festival de Cannes de 2012, que sin caer en el dramatismo nos hace ver cómo hay personas que llevando una vida normal y que no pertenecen a un medio social particularmente acomodado se tienen que enfrentar inesperadamente a una terrible tragedia y salir adelante en la vida.

The Wolf of Wall Street (2013), Martin Scorsese. (El lobo de Wall Street)

Puro cine, pura locura. Excesos a go gó, lanzamiento de enanos en la sala de ventas, ríos de dinero, drogas, alcohol y prostitutas a discreción, el capitán del avión que los tiene que atar a los asientos porque de drogados que van quieren violentar a las azafatas.

Historia delirante del agente de bolsa Jordan Belfort, interpretado por DiCaprio, aparentemente basada en hechos reales, fiel reflejo de lo que seguramente fueron unos años de auténtica locura, donde tantos agentes de bolsa en Nueva York hacían enormes fortunas aprovechando la codicia de las personas que les confiaban sus inversiones.

Tres horas de maratón cinematográfica donde una vez más volvemos a ver al genial Scorsese, con sus elipsis narrativas y la voz en off de los personajes, que dinamizan la narración y que te trasmiten por completo el ánimo acelerado de los protagonistas.

5 nominaciones a los Óscar, entre ellas la de mejor director, mejor actor protagonista y mejor actor de reparto, en este caso por la excelente actuación de Jonah Hill, que no le han servido para llevarse ningún premio. Sabemos que Hollywood prefiere otro tipo de películas.

Curioso sin embargo que lo haya ganado Matthew McConaughey por otra película, cuando en esta destaca en el papel pequeño de maestro de DiCaprio.

En definitiva, una película excelente aunque solo sea porque logra lo más básico, entretenerte y hacerlo de manera convincente.

Twelve Years a Slave (2013), Steve McQueen. (12 años de esclavitud)

Otro pelicula de este director de moda que es Steve McQueen y que para mí es la mejor que le he visto hasta ahora, junto con otra impresionante actuación de este superactor Fassbender, que borda cada papel que hace, con la insólita facultad de que te cuesta reconocerlo, cuando sin embargo nuestro amigo Brad Pitt, no puede desprenderse nunca de que es él mismo el que está detrás de cada papel.

La historia está basada en los hechos reales contados en la autobiografía de Solomon Northup, un mulato afroamericano nacido libre en el estado de Nueva York que fue secuestrado en Washington D. C. en 1841 para ser vendido como esclavo.

Durante 12 años fue sometido a vejaciones de todo tipo trabajando como esclavo en diversas plantaciones en el Estado de Louisiana hasta que se produjo su liberación.

La película logra transmitirte las dosis justas de desasosiego y abandono por las que debió pasar el protagonista, junto con las condiciones sociales del momento que hicieron posible que esta barbarie se practicara de manera generalizada y con el fin de obtener un beneficio económico, ya fuera con la venta, ya fuera con la explotación, con la idea de  que todo se correspondía con un orden social emanado de la propia religión cristiana y de la voluntad divina.

Gran candidata a los Óscar de 2014, veremos cuántas estatuillas consigue.

La Vie d'Adèle – Chapitres 1 & 2 (2013), Abdellatif Kechiche. (La vida de Adèle)

Adéle es una adolescente que vive en Lille y que lleva una vida completamente anodina hasta que por la influencia de sus compañeras de escuela comienza a frecuentar un compañero de clase con el que no cuajará la relación.

Es sin embargo cuando conoce en un pub a una chica con el pelo teñido de azul que se enamorará apasionadamente, a pesar de los consabidos inconvenientes al tener que ocultárselo a su familia y a sus compañeros de escuela.

Narrada con un estilo casi documental, sin querer añadir nada de su parte, como si el director también fuera espectador de la historia, nos contará la inocente evolución de la vida de Adèle, desde el descubrimiento de su condición sexual, hasta el amor más apasionado, para terminar con la ruptura de la pareja y la tristeza más absoluta por la pérdida del ser amado.

En la narración el director parece querer hacer hincapié en la involuntariedad en la participación en su vida incluso de la propia Adèle, como que los acontecimientos se sucedieran en ella aleatoriamente y a ella sólo le correspondería vivirlos. Para ello se recrea en mostrarnos numerosas veces a Adèle durmiendo plácidamente para hacer más evidente su inocencia y esa ausencia de premeditación en el trascurso de su vida.

Como únicos puntos negativos que le han sido reprochados a Kechiche son la lentitud del film, que hace que dure 3 horas, y las numerosas escenas de sexo excesivamente explícito y bastante largas, quizás para hacer redundante un gran amor ya de por sí evidente.

Estrepitosa actuación de la actrices Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux que les valió la Palma de Oro junto a la propia película en el Festival de Cannes de 2013.

En todo caso una película excelente por la historia, por las actrices y por cómo está contada, realmente maravillosa.

Behind the Candelabra (2013), Steven Soderbergh

Biopic del pianista americano Liberace que tuvo un enorme éxito como showman en los años 50 a 70 y que era conocido por su estilo kitsch y sus excentricidades inéditas hasta la fecha, como tocar el piano con dos candelabros encendidos o aparecer en el escenario con abrigos de pieles de varios metros y estridentes anillos de oro gigantescos en sus dedos.

Aunque en su momento no se sabía que era homosexual debido a las campañas publicitarias de su manager donde le atribuía amores secretos con mujeres, en la trama se cuenta de manera diáfana su vida promiscua y su comportamiento disoluto a la par que su extraordinario talento musical.

Entre tanto amante joven de corta duración conocerá a un huérfano inocente de pueblo al que adoptará y con el que convivirá muchos años. Del enamoramiento inicial mutuo, el dinero y el lujo a raudales desgastarán la relación hasta que el chico joven acabe siendo un drogadicto que será sustituido por el siguiente joven guapo.

Espléndida lección de cine de Soderbergh que además de contarnos una historia casualmente real de manera muy entretenida, logra ahondar de una manera natural en el comportamiento de los seres humanos ante variables de la vida como el dinero, la fama, la inocencia, la debilidad, la enfermedad o la belleza, por citar algunas.

Debido al rechazo de las distribuidoras americanas al tratarse de un film que habla abiertamente de la homosexualidad, no se ha estrenado en los cines, sí en cambio en la cadena de televisión HBO con un inmenso éxito.

Protagonizado por unos notables Michael Douglas y Matt Damon, fue presentado en el Festival de Cannes de 2013 y aunque se daba por descontado que ganaría unos cuantos premios al final no fue así.

Il caimano (2006), Nanni Moretti

Un productor cinematográfico de films de serie B que en el pasado se dedicaba al cine trash con su esposa de actriz, de repente se encuentra que su casa de producción está a punto de quebrar y que su matrimonio lo mismo.

La única buena noticia es que una joven directora de cine le pide ayuda para filmar un película titulada El Caimán, que cuenta la historia de Silvio Berlusconi.

A partir de aquí esta película que van a filmar se desarrolla al mismo tiempo que la historia afectiva y personal del productor, un Silvio Orlando que hace una interpretación magistral, de un hombre bueno cuya vida se viene abajo porque los negocios no funcionan y su mujer deja de quererlo.

Mientras la historia paralela de la película que están filmando no sale adelante porque nadie cree en el proyecto de narrar la vida de un hombre hiperprotagonista de la vida pública italiana de los últimos 20 años, que supuestamente a nadie interesa, donde al final sólo podrán rodar la última escena en la que el Caimán entra en el juzgado para escuchar la sentencia de condena de 7 años, lo que sí termina por consumarse es su divorcio, sumiéndolo en una pena profunda, que además conlleva la suspesión de la vida familiar con sus dos hijos pequeños.

Al salir del juzgado el Caimán hará la usual arenga a la parcialidad de los jueces, con la escena final en la que paradójicamente él sale aclamado por él público y la gente en cambio se encara con el juez.
 

Maravillosa la música de la escena en la que Margherita Buy está cantando en el coro el Dixit Dominus, salmo de Haendel (HWV232):

Y también el discurso final donde el propio Moretti interpreta al Caimán y mientras su chófer lo lleva a su domicilio hace un análisis de lo que ha sido la vida política en los últimos años, a lo que se puede añadir que en los últimos siete siguientes tampoco ha cambiado mucho.

Nanni Moretti fue nominado a la Palma de Oro de Cannes de 2006 por lo que a mí parece una maravillosa doble película.

La grande guerra (1959), Mario Monicelli. (La Gran Guerra)

A comienzos de la Primera Guerra Mundial dos jóvenes reclutas italianos, uno de Roma -Alberto Sordi- y el otro de Milán -Vittorio Gassman-, se conocen en las oficinas de reclutamiento cuando el primero engaña al segundo sacándole dinero a cambio de librarle de la leva.

Lógicamente no será posible y más adelante por casualidad se conocerán en el tren que los lleva al frente, trabando una amistad que les unirá para siempre.

El tiempo transcurrirá entre batallas, misiones y períodos de descanso, en un trasfondo de matanzas, muerte, hambre y frío. Vittorio hará amistad con una prostituta -Silvana Mangano-, que hará que la guerra no parezca tan dura, junto con el tiempo pasado entre camaradas y paisanos.

Relato de las vicisitudes de dos jóvenes reclutas italianos durante la Primera Guerra Mundial, en la batalla del río Piave, donde Monicelli narra de manera magistral lo que pudo ser la guerra para tanta gente que le era completamente ajena y que se veía obligado a participar en ella. En este caso los protagonistas intentarán suplir con picardía y en ocasiones con desfachatez su falta de valentía y de compromiso con el conflicto, sin poder evitar sin embargo el fatal destino que otros les han obligado a asumir.

Galardonada con varios premios cinematográficos italianos, con el León de Oro a su director en Venecia en 1959 y candidata al Óscar en 1960 a la mejor película extranjera, me parece una gran película con unos grandísimos actores.

 

 

Zero Dark Thirty (2012), Kathryn Bigelow. (La Noche Más Oscura)

Película de acción acerca de la operación militar estadounidense de captura de Osama bin Laden en mayo de 2011, que supuso una victoria para el presidente norteamericano Obama, por lograr algo que hasta entonces parecía imposible.

Narra con detalle cómo ya en 2003 una joven agente de la CIA -interpretada por Jessica Chastain- comienza la búsqueda del jefe de Al Qaeda y todas las vicisitudes por las que ella y tantos otros agentes tuvieron que pasar durante ocho largos años hasta dar con su paradero.

En la trama la película se extiende con detalle en las torturas que se llevaban a cabo en las bases militares o de la CIA en Pakistán y Afganistán. Mientras en EE.UU. el ultraconservador vicepresidente Cheney lograba aprobar la legislación que permitía el "waterboarding" -la inmersión en agua de los detenidos en los interrogatorios-, lo que en su día supuso un inmensa polémica nacional e internacional, paralelamente sirvió para que en estas bases, tal y como se muestra en la película, se llevaran a cabo impunemente todo tipo de torturas.

También se muestra en detalle el desasosiego de los agentes que tienen que buscar una aguja en un pajar, en un entorno hostil, desconocido y muy complejo. Cómo al final la tenacidad de esta agente y su determinación para convencer a las más altas instancias de la administración estadounidense de llevar a cabo una operación siguiendo un pista débil, que, casualidades del destino, resultó ser la buena.

Bigelow narra de manera extraordinaria esta historia, logrando mantener en todo momento una tensión narrativa, a pesar de que es obvio cuál será el fin y, lo que es más importante, sin juzgar los hechos, mostrándolos tal y como fueron, sin añadir una carga bellicista o patriótica al film, lo que hubiera sido muy fácil, teniendo en cuenta además que es algo frecuente en ese país.

En definitiva, un obra excelente, que narra un episodio muy importante en la historia reciente del mundo y de los Estados Unidos, y que nos ayuda a saber algo más sobre una realidad muy compleja, como es el terrorismo yihadista y que nos atañe directamente.

Si en su anterior película, The Hurt Locker (2009), esa vez sobre la vida de un escuadrón norteamericano que desactiva bombas en Irak, Bigelow se dio un atracón de victorias y nominaciones al Óscar, sin que la cinta fuera tan buena como parecía, esta vez se podría decir que había ganado el jackpot y sin embargo solo ha tenido un Óscar menor por el sonido, al parecer no ha sido lo suficientemente patriótica, cuando en Europa se piensa lo contrario.

Hiroshima mon amour (1959), Alain Resnais

Es la narración de una intensa conversación personal entre una chica francesa y un chico japonés que se conocen en esa ciudad donde ella ha sido enviada para filmar una película sobre la paz.

El chico le hace recordar al primer hombre que ella amó, un soldado alemán en tiempos de la II Guerra Mundial, que además de perderlo le provocó el rechazo furibundo de sus convecinos.

La historia tiene lugar a los largo de la noche que pasan juntos en la ciudad japonesa, con breves flash-backs que retrotraen a las situaciones vividas por ella en el pasado.

Con un marcado tono antibelicista, todavía con el recuerdo relativamente reciente de la guerra y de la terrible experiencia de las bombas atómicas en Japón, constituye un dilema entre memoria y olvido, memoria para recordar a los seres amados y olvido para no recordar el dolor y la pérdida ocasionada por la guerra.

Protagonizada por una jovencísima Emmanuelle Riva, que este año la vemos nominada al Óscar a la mejor actriz por la también extraordinaria película Amour de Haneke, el guión fue escrito por Marguerite Duras -por el que ganó el Óscar en 1961-, con música de Georges Delerue. La película está reconocida como una de la fundadoras de la Nouvelle Vague y además ganó la Palma de Oro en Cannes en 1959.

I vitelloni (1953), Federico Fellini. (Los inútiles)

La película relata la vida de cinco amigos en la Rimini de los años 50: Leopoldo el intelectual, Fausto el mujeriego, Alberto el inmaduro (el propio Alberto Sordi), el reflexivo Moraldo y el jugador compulsivo Riccardo (curiosamente, el hermano del propio Fellini).

Durante un desfile de belleza en la playa donde se elige a Miss Sirena 1953 la vencedora Sandra -hermana de Moraldo- repentinamente se desmaya. Cuando llega el médico se desata la tormenta, la chica está embarazada. Fausto corre a casa a hacer la maleta para irse a Milán a buscar trabajo, cuando su padre lo para y le obliga a afrontar la situación casándose con ella.

Cuando Fausto vuelve de su viaje de novios encuentra trabajo en un negocio de venta de objetos religiosos, pero su condición de mujeriego le hará provocar a la mujer del dueño y acabar perdiendo el empleo. Para vengarse robará una escultura con Moraldo que cuando intentan revenderla serán descubiertos.
 

Mientras Alberto continua a zanganear entre billares, bromas y apuestas, pidiendo un préstamo a su hermana, que mantiene una relación secreta con un hombre casado. Durante una fiesta estando borracho Alberto se da cuenta de que su vida no tiene sentido, pero que no tiene el coraje de cambiarla.

Leopoldo por su parte consigue convencer a un consumado actor de que le lea su último trabajo, ante el que éste se muestra impresionado, pero cuando están a solas Leopoldo se escapa corriendo.

En la última escena Moraldo es el único a tener el coraje de dejar el pueblo e irse en tren a Roma sin decir nada a nadie.

Retrato de posguerra de una juventud superficial e irresponsable, básicamente también debido a la falta de oportunidades. Incluyo la famosa escena de Alberto Sordi con el corte de mangas, que puede resumir muy bien el sentir de los personajes.

Como curiosidad destacaría que inicialmente el guión de Ennio Flaiano se desarrollaba en Pescara, para después trasladarlo a Rimini, la ciudad natal de Fellini.

La película fue candidata a los Óscars en el año 1958 en la categoría de mejor guión original y también fue presentada en sección oficial del festival de Venezia, supone el primer gran trabajo de Fellini y un gran reconocimiento internacional que todavía perdura.

Once Upon a Time in America (1984), Sergio Leone. (Érase una vez América)

Historia de cuatro chicos del barrio Lower East Side en Manhattan que de niños traban una amistad que les marcará a lo largo de sus vidas y que en tiempos de la prohibición llegarán a convertirse en unos de los mayores gánsteres de todo el país.

Curiosamente yo siempre había pensado que se trataba de una pandilla de italianos y en esta última visión me he dado cuenta de que eran judíos (Bercovicz el personaje de James Woods o Aaronson el de Robert de Niro) excepto un irlandés, que coincide con las 3 nacionalidades que inmigraban masivamente a Nueva York a principios del siglo XX, italianos, judíos de Europa Central e irlandeses, que se instalaban en el barrio más pobre de la gran manzana en esa época, en el que ahora todavía se pueden ver vestigios de ese período.

Todo esto hace que la película sea un magnífico retrato de esa época y de ese Nueva York, adornado con la historia de la amistad entre ellos, de sus primeros amores, de sus personalidades y de sus aventuras delictivas.

La película dura 4 horas aunque es muy amena y está muy bien filmada. Con una banda sonora archiconocida de Ennio Morricone, se trata de un clásico del cine del especialista en spaghetti western Sergio Leone, que fue su última y seguramente mejor película, pero que prácticamente no tuvo ningún reconocimiento por las academias y festivales de cine.



Amour (2011), Michael Haneke

Película sobre la última fase de la vida de un matrimonio de ancianos parisino que viven solos hasta que la mujer empieza a verse afectada por episodios de demencia senil.

La manera de afrontar el último tramo de la vida, los recuerdos de toda una vida de pareja, los sentimientos de familiares y amigos, en definitiva habla de las consecuencias del alargamiento considerable de la vida que ha traído el desarrollo de la medicina, que ha provocado la aparición masiva de este tipo de enfermedades mentales en la senectud, que empiezan a ser familiares a todos nosotros, y que plantea un problema serio a la sociedad en general sobre cómo tratarlas.

Maravillosamente filmada por Haneke, que logra meternos como meros espectadores en la vida sencilla y cotidiana de estos dos ancianos, sin en ningún momento inmiscuirse en el relato y que con una gran sensibilidad logra hacernos partícipes del mismo de manera natural. Como siempre, Haneke deja abierto el final, aunque en este caso éste sea evidente para todos.

Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2012. Es de destacar la buena interpretación de los dos actores principales, Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, que han tenido un gran reconocimiento por su excelente interpretación.

The great Gatsby (1974), Jack Clayton. (El gran Gatsby)

Película romántica por antonomasia que narra la historia de Jay Gastby, magnate multimillonario hecho a sí mismo, y la vida de la aristocracia neoyorquina en sus mansiones de la isla de Long Island de Nueva York en la América de los años 20.

Basada en la novela homónima de F.Scott Fitzgerald, obra cumbre de la literatura norteamericana, con un guión de Francis Ford Coppola, supone un retrato de un período dorado donde las clases altas de la costa este norteamericana llevaban unas vidas disolutas llenas de lujo y de ocio absolutos.

Sus vidas eran privilegiadas hasta el punto de que, aún teniendo los mismos problemas cotidianos que el resto de los mortales, infidelidades, insatisfacciones amorosas, asuntos judiciales, sin embargo no los sufrían de la misma manera.

Filmada con gran sensibilidad, logra el objetivo de retratar esa época de una manera bastante ensoñadora, apoyada en una música y una fotografía excelentes. Destacaría también el papel de una Patsy Kensit con 6 años, como hija de Mia Farrow. La película obtuvo dos Óscars en el año 1974, a la mejor música y a la mejor dirección artística.

Riso amaro (1949), Giuseppe De Santis. (Arroz amargo)

La acción se desarrolla en los campos de arroz de la zona de Vercelli, en plena llanura padana, a mitad de camino entre Milán y Turín, donde históricamente en la primavera se llevaba a cabo la recogida del arroz con miles de temporeros que venían en tren de todas las zonas de Italia, para llevar a cabo esta tradición centenaria.

Un ladrón buscavidas que huye de la policía se sirve de esta concentración para esconderse y de paso enredar a una campesina inocente para su próximo golpe, una excelsa Silvano Mangano, que se deja embaucar y que al final será su perdicción.

Como siempre el cine neorrealista de posguerra se servía de la realidad cotidiana para elaborar sus guiones dando lugar a historias densas y ricas de contenido, a las que en este caso De Santis añade el estudio sociológico de cómo vivían las personas y cómo afrontaban la pobreza y la época que les tocaba vivir, viendo como el contexto marcaba sus vidas de manera indeleble.

También hacían el estudio propio de las personas, de las pasiones que son inherentes a los seres humanos y que asoman en cualquier circunstancia. La atracción de todos los hombres por la chica guapa y sensual, que a su vez se siente atraida por el hombre guapo y con carácter aunque sea un malvado, viendo como el comportamiento humano también se repite independientemente del contexto.

Valorada como la mejor película del último de los realizadores neorrealistas italiano, Giuseppe De Santis, contó con la producción de Dino De Laurentis y fue presentada a concurso en la 3ª edición del Festival de Canes.

A pesar de la militancia de De Santis en el partido comunista, que se puede colegir cuando se ve el film, la película fue muy criticada por el partido, porque decían que ofrecía una imagen muy sensual y banal de la mujeres, cuando en realidad se trataba de campesinas que trabajaban muy duro por ganarse un jornal.

Curiosamente tanto Mangano como Gassman siempre renegaron de esta película, que sin embargo creo que merecidamente ha pasado a las historia del cine como uno de los mejores clásicos del cine italiano y seguramente del cine en general.

La Ciociara (1960), Vittorio De Sica. (Dos mujeres)

La historia gira en torno a una madre y una hija que escapando del asedio aéreo alemán huyen de Roma en dirección hacia la región de la Ciociara, cuyo epicentro es Frosinone -a casi 100 kms. al sur de Roma en dirección de Nápoles-, para sin querer meterse de lleno en la zona de combate entre las tropas aliadas y el ejército alemán, que luchaban encarnizadamente unos kilómetros más al sur, en la zona de la Abadía de Monte Cassino, donde estaba la línea del frente.

En su viaje hacía esa región van coincidiendo con paisanos que o bien huyen del frente o que bien se resignan a padecer la violencia de la guerra y sobre todo la extrema pauperización que conlleva. Es ahí donde conocen a Michele -un jovencísimo Jean-Paul Belmondo-, intelectual comunista con el que entablan amistad, que posteriormente será capturado por los alemanes. 

Finalmente en su intento por volver a Roma, cuando estaban refugiadas en una iglesia, madre e hija, son violadas por Goumiers.
 
Introduzco una explicación sobre quiénes eran estos soldados de los que desconocía su existencia, de la que me he quedado impactado:

"Los Goumiers marroquíes eran tropas coloniales que formaban parte del cuerpo expedicionario francés, mandado por el general Juin. Eran 12.000 diablos procedentes de las montañas del Rif, divididos en bandas más o menos irregulares, llamados "tabores", confiados a oficiales franceses. No hacían prisioneros, pero estaban acostumbrados a llevarse como trofeos cabezas, orejas y testículos cortados, casi siempre con su victima viva y consciente. Vivían del saqueo y se dedicaban a toda clase de violencia. 

¿Por qué fueron enviadas a Italia tropas tan feroces?.  La pregunta todavía espera una respuesta. Juin en sus memorias no dedica ni una línea para compadecer a las inocentes poblaciones que fueron arrasadas por la furia de estos individuos. Acaso hubo en los franceses una especie de espiritu de venganza contra la Italia de la "puñalada por la espalda".

Queda el hecho de que los Goumiers dejaron una huella de su paso difícilmente borrable. Utilizados por el mando del V Ejército como tropas de asalto (no se quita gloria a nadie si se afirma que el sitio de Cassino lo hicieron saltar los marroquíes junto con los polacos), estos soldados de albornoz y turbante se mostraron invencibles." 
 
Extraordinaria película basada en una conocida novela de Alberto Moravia, que sirvió para que Sofía Loren ganara el Óscar por su fabulosa interpretación. Incluso Belmondo, que después haría también varias buenas películas de la Nouvelle Vague, también hace una interpretación estelar.
 
Debo añadir que en el caso de la Loren no creo recordar haber visto nunca una actriz tan guapa, tan poderosamente atractiva y con tanto magnetismo en el cine. 
 
Representa el epítome de una serie de mujeres que en Italia se conocían con el nombre de maggiorate, actrices que triunfaban al inicio más bien por un físico rotundo y exhuberante. Curiosamente este término lo acuñó Vittorio de Sica en 1952 para defender a Gina Lollobrigida definiéndola como maggiorata fisica, porque se decía de ella que era una minorata psichica.