Quadrophenia (1979), Franc Roddam

Película británica de 1979 basada en la ópera rock de 1973 sobre el grupo The Who que constituye un clásico del cine musical.

La trama se desarrolla en Londres en el año 1964 con la rivalidad de dos grupos de jóvenes, los mods, bien vestidos y que se mueven en sus scooters italianas; y los rockers, con una estética alternativa en cuero, con grandes motocicletas y que escuchan música rock.

Un puente de tres días proporciona a ambos bandos la excusa para librar una violenta batalla en la ciudad costera de Brighton, donde el protagonista será arrestado, por lo que su madre le echará de casa y encima su novia se liará con su mejor amigo. Todo ello provocará la famosa escena final de la película.

La trama es un reflejo de la Gran Bretaña de los años 60, del consumo de las anfetaminas y de las batallas campales entre bandas rivales que se sucedieron en diversas ciudades costeras.

Interesante ver actores jovencísimos que ahora se han convertido en habituales del cine inglés, como Ray Winstone o Timothy Spall, o el mismísimo Sting.

Cronaca di un amore (1950), Michelangelo Antonioni. (Crónica de un amor)

Thriller de los años 50 que se desarrolla en Milán cuando un rico empresario contrata una agencia de detectives para que investigue si su joven y guapa mujer le es infiel, sin que en principio tenga ningún motivo aparente para sospechar.

Será precisamente este hecho el que haga que ella reabra su pasado, reaparezca su examante y se sientan agobiados de que se descubra el asunto de la muerte de la exnovia de él, que era íntima amiga de ella.

La situación llegará al punto de que planearán el asesinato del marido, con la casualidad de que éste muere previamente en un accidente de tráfico cuando ya sufría la desesperación por el engaño de la mujer.

Clásica historia de matrimonio entre personas de muy diferente edad y clase social, que al no funcionar se pretende resolver con el asesinato. El papel de la joven esposa lo interpreta una bellísima Lucía Bosé.

Primer largometraje de Antonioni que en su momento supone una ruptura con el neorrealismo y que dio inicio a una exitosa carrera, más de cara a la crítica que de cara al público. A mí personalmente su conocido y premiado film Blow-up, como su trilogía sobre la soledad, nunca me han emocionado, por no hablar de las dos últimas, una de ellas dividida en tres capítulos, donde la protagonista de uno de ellos era ni más ni menos que Inés Sastre.

Umberto D. (1952), Vittorio De Sica

La película empieza en Roma, en pleno centro de la ciudad, justo delante de la Universidad Gregoriana, con una manifestación de pensionistas en los años 50 que reclaman un aumento de sus depauperadas pensiones.

Entre ellos está Umberto D., antiguo funcionario del Ministerio de Obras Públicas italiano y que ahora vive con una justa pensión que no le permite ni siquiera pagar la habitación en la pensión en la que vive con un perro pequeño.

Constituye un estupendo paseo por la Roma de los años 50, con sus calles y plazas, sus tranvías y sus edificios, de un anciano que vive sus últimas días en penuria y soledad. Rodada en ese estilo casi documental que supuso el neorrealismo, precisamente para transmitirnos de manera fidedigna las dificultades de las personas que vivían en esas condiciones después de la guerra.

La película es un homenaje al padre de De Sica, con el que se sabe que tenía una relación especial. Nominada a los Óscar como mejor guión en 1958, también tuvo la nominación a la Palma de Oro en Cannes como mejor director en 1952.

Le dernier métro (1980), François Truffaut. (El último metro)

Durante la ocupación alemana de París de la Segunda Guerra Mundial, un director de teatro judío se ve obligado a esconderse en la bodega del teatro simulando que ha huído del país, mientras su mujer Marion y los actores del grupo ensayan y presentan una obra.

Un crítico de teatro pronazi que sospecha de la repentina desaparición del director hace una crítica violenta de la obra, lo que le vale la agresión de Granger uno de los actores y como represalia la amenaza de incautación del teatro por haber sido propiedad de un judío.

La mujer del director de teatro se enfandará mucho con el actor por su imprudencia, dejándose de hablar y limitándose a trabajar en la obra, que además está teniendo un gran éxito de público.

Posteriormente el actor decide dejar la obra para unirse e la Resistencia. En el momento de la despedida inician una relación amorosa. Mientras el director del teatro comienza a acusar el enclaustramiento, junto al miedo a la detención por parte de los nazis empieza a tener un nuevo temor, piensa que su mujer se ha enamorado del actor rebelde.

Entre fantasía y realidad Truffaut aprovecha la vida de un teatro para retratar una época muy particular de Francia, la de la lucha contra los alemanes, pero la de también muchos colaboracionistas, que marcó al país durante los años venideros y que hasta hace relativamente poco constituía todavía un motivo de polémica.

Galardonada con 10 premios César, el David de Donatello y candidata al premio Óscar, es una de las películas más conocidas de la Nouvelle Vague.

La música es del maestro Georges Delerue, que compuso la banda sonora de muchas películas de la Nouvelle Vague entre las cuales la inolvidable El Desprecio de Godard: http://www.epdlp.com/bso.php?id=192

La grande guerra (1959), Mario Monicelli. (La Gran Guerra)

A comienzos de la Primera Guerra Mundial dos jóvenes reclutas italianos, uno de Roma -Alberto Sordi- y el otro de Milán -Vittorio Gassman-, se conocen en las oficinas de reclutamiento cuando el primero engaña al segundo sacándole dinero a cambio de librarle de la leva.

Lógicamente no será posible y más adelante por casualidad se conocerán en el tren que los lleva al frente, trabando una amistad que les unirá para siempre.

El tiempo transcurrirá entre batallas, misiones y períodos de descanso, en un trasfondo de matanzas, muerte, hambre y frío. Vittorio hará amistad con una prostituta -Silvana Mangano-, que hará que la guerra no parezca tan dura, junto con el tiempo pasado entre camaradas y paisanos.

Relato de las vicisitudes de dos jóvenes reclutas italianos durante la Primera Guerra Mundial, en la batalla del río Piave, donde Monicelli narra de manera magistral lo que pudo ser la guerra para tanta gente que le era completamente ajena y que se veía obligado a participar en ella. En este caso los protagonistas intentarán suplir con picardía y en ocasiones con desfachatez su falta de valentía y de compromiso con el conflicto, sin poder evitar sin embargo el fatal destino que otros les han obligado a asumir.

Galardonada con varios premios cinematográficos italianos, con el León de Oro a su director en Venecia en 1959 y candidata al Óscar en 1960 a la mejor película extranjera, me parece una gran película con unos grandísimos actores.

 

 

Domicile conjugal (1970), François Truffaut. (Domicilio conyugal)

Película de Truffaut que se engloba dentro de la Nouvelle Vague y que pertenece a una trilogía realizada por el mismo director sobre el amor.

Antoine y Christine viven modestamente en un edificio y cuentan con la simpatía de todos sus vecinos. Están muy enamorados y deciden tener un niño, que también será la alegría del vecindario.

Con el paso del tiempo, mientras Christine sigue enamorada platónicamente del bailarín Nureyev, Antoine inicia una relación con una japonesa que ha conocido en el trabajo. Sus retrasos y ausencias injustificadas provocorán que sea descubierto, con el consiguiente drama familiar. Entonces se planteará la eterna cuestión del arrepentimiento y del perdón, para que al final la situación vuelva a estar como al principio.

La película está llena de fina ironía, con unas cuantas situaciones de humor absurdo, que me recuerdan mucho al estilo que emplea Moretti en algunas de sus películas.

Realizada bajo los preceptos de la Nouvelle Vague supuso en su día un cambio radical en la manera de hacer cine, dejó de rodarse en estudios sin decorados artificales, prefiriendo los escenarios naturales que se acercaban mucho más a la realidad, cambiando también el lenguaje, usando uno más natural de la calle y dejando de lado la tradición imperante, que suponía unos diálogos más atildados, propios del teatro y por ello quizás más artificiales.

Salvo algunas películas, que siguen siendo unos clásicos del cine, la gran mayoría ha envejecido mal y ahora pueden resultar hasta aburridas.

Hiroshima mon amour (1959), Alain Resnais

Es la narración de una intensa conversación personal entre una chica francesa y un chico japonés que se conocen en esa ciudad donde ella ha sido enviada para filmar una película sobre la paz.

El chico le hace recordar al primer hombre que ella amó, un soldado alemán en tiempos de la II Guerra Mundial, que además de perderlo le provocó el rechazo furibundo de sus convecinos.

La historia tiene lugar a los largo de la noche que pasan juntos en la ciudad japonesa, con breves flash-backs que retrotraen a las situaciones vividas por ella en el pasado.

Con un marcado tono antibelicista, todavía con el recuerdo relativamente reciente de la guerra y de la terrible experiencia de las bombas atómicas en Japón, constituye un dilema entre memoria y olvido, memoria para recordar a los seres amados y olvido para no recordar el dolor y la pérdida ocasionada por la guerra.

Protagonizada por una jovencísima Emmanuelle Riva, que este año la vemos nominada al Óscar a la mejor actriz por la también extraordinaria película Amour de Haneke, el guión fue escrito por Marguerite Duras -por el que ganó el Óscar en 1961-, con música de Georges Delerue. La película está reconocida como una de la fundadoras de la Nouvelle Vague y además ganó la Palma de Oro en Cannes en 1959.

55 Days at Peking (1963), Nicholas Ray. (55 días en Pekín)

Ambientada durante el levantamiento de los bóxers en Pekín, justo a finales del siglo XIX, cuando quieren atacar las embajadas de las principales potencias mundiales del momento y las someten a un asedio durante 55 días.

Durante la ocupación de China de esa época los misioneros cristianos predican su religión y destruyen las estatuas de Buda, lo que provoca el enfado de las poblaciones nativas, los bóxers -cuyo nombre parece ser que deriva de la posición que adoptaban con los brazos cuando practicaban artes marciales-, que quieren entonces que todos los extranjeros abandonen su país.

Cuando la situación deteriora se verán asediados en sus embajadas, casualmente al lado de la Ciudad Prohibida, donde la emperatriz china había decidido ubicarlos para tenerlos más controlados.

Esta misma emperatriz que tiene que elegir entre las dos líneas de actuación que le proponen sus dos lugartenientes, la dura de oposición, o la diplomática de colaboración. Antes la presunta debilidad de las fuerzas de los países ocupantes, se llevará a cabo la línea belicista, con el asedio militar de las embajadas, lo que provocará la movilización del ejército norteamericano que tardará esos 55 días en llegar a salvarlos.

Con un reparto de lujo con Charlton Heston, Ava Gardner y David Niven, se trata de la típica superproducción hollywoodiana de los años sesenta, que curiosamente fue filmada en Las Rozas (Madrid) con más de 500 españoles y algunos extras de lujo como Alfredo Mayo y Fernando Sancho.

Double Indemnity (1944), Billy Wilder. (Perdición)

En una oscura y lluviosa calle de Los Ángeles de madrugada un automóvil se salta un semáforo en rojo y cuando está a punto de chocar con una camioneta de reparto se detiene bruscamente frente a un edificio de oficinas. Del coche sale moviéndose con cierta dificultad el vendedor de seguros Walter Neff (Fred MacMurray).

Así por el final empieza este clásico del cine norteamericano que a modo de flash-back nos contará la historia de un vendedor de seguros que dejándose enamorar por la guapa mujer de un hombre rico -Barbara Stanwyck-, prepararán un detallado plan para asesinarlo. Lástima que no contarán con la perspicacia del jefe de Walter, Edward G. Robinson.
 

Singular la frase con la que Walter resume su situación: "Lo maté por dinero y por una mujer. Ni conseguí el dinero, ni la mujer. Estupendo, ¿verdad?".
 

El título en inglés hace referencia a un término actuarial, la doble indemnización a la que se tiene derecho si la muerte se produce en un tren en marcha, que es como la pareja lo planea.

 

Clásico del cine allí donde los haya, dirigida por el maestro Billy Wilder, que con el paso del tiempo sigue siendo igualmente muy buena.

I vitelloni (1953), Federico Fellini. (Los inútiles)

La película relata la vida de cinco amigos en la Rimini de los años 50: Leopoldo el intelectual, Fausto el mujeriego, Alberto el inmaduro (el propio Alberto Sordi), el reflexivo Moraldo y el jugador compulsivo Riccardo (curiosamente, el hermano del propio Fellini).

Durante un desfile de belleza en la playa donde se elige a Miss Sirena 1953 la vencedora Sandra -hermana de Moraldo- repentinamente se desmaya. Cuando llega el médico se desata la tormenta, la chica está embarazada. Fausto corre a casa a hacer la maleta para irse a Milán a buscar trabajo, cuando su padre lo para y le obliga a afrontar la situación casándose con ella.

Cuando Fausto vuelve de su viaje de novios encuentra trabajo en un negocio de venta de objetos religiosos, pero su condición de mujeriego le hará provocar a la mujer del dueño y acabar perdiendo el empleo. Para vengarse robará una escultura con Moraldo que cuando intentan revenderla serán descubiertos.
 

Mientras Alberto continua a zanganear entre billares, bromas y apuestas, pidiendo un préstamo a su hermana, que mantiene una relación secreta con un hombre casado. Durante una fiesta estando borracho Alberto se da cuenta de que su vida no tiene sentido, pero que no tiene el coraje de cambiarla.

Leopoldo por su parte consigue convencer a un consumado actor de que le lea su último trabajo, ante el que éste se muestra impresionado, pero cuando están a solas Leopoldo se escapa corriendo.

En la última escena Moraldo es el único a tener el coraje de dejar el pueblo e irse en tren a Roma sin decir nada a nadie.

Retrato de posguerra de una juventud superficial e irresponsable, básicamente también debido a la falta de oportunidades. Incluyo la famosa escena de Alberto Sordi con el corte de mangas, que puede resumir muy bien el sentir de los personajes.

Como curiosidad destacaría que inicialmente el guión de Ennio Flaiano se desarrollaba en Pescara, para después trasladarlo a Rimini, la ciudad natal de Fellini.

La película fue candidata a los Óscars en el año 1958 en la categoría de mejor guión original y también fue presentada en sección oficial del festival de Venezia, supone el primer gran trabajo de Fellini y un gran reconocimiento internacional que todavía perdura.

Easy Rider (1969), Dennis Hopper. (Buscando mi destino)

Extraordinaria película con uno de esos títulos traducidos al español que uno se pregunta a quién se le ocurrió. Realizada en el año 69, del género llamado road movie, está dirigida por Dennis Hopper y producida por Peter Fonda, siendo ambos los actores principales junto a un jovencísimo Jack Nicholson.

La historia trata de dos jóvenes que realizan la compra y sucesiva venta de un paquete de cocaína en la frontera con México para a su vez comprarse unas motocicletas con las que hacen un viaje que cruzando Estados Unidos les llevará a New Orleans, para asistir a la fiesta del mardi gras del famoso carnaval.

Este viaje les permitirá ver en primer plano una imagen del sur profundo de los Estados Unidos, en el camino se encuentran a diversos y poco habituales personajes, desde un ranchero y su ultrareligiosa familia hasta un autoestopista hippie, para acabar siendo arrestados en un pueblecito por participar en un desfile callejero sin autorización, donde en la cárcel conocen a un abogado borracho que luego les ayuda a salir y se les une en el viaje, el inefable y auténtico Nicholson.

Desde el momento de su estreno se convirtió en referencia para toda una generación de moteros y simpatizantes de la contracultura estadounidense, y al mismo tiempo sirvió de lanzadera para comenzar con un cine completamente nuevo, que se realizaría durante los años 70.

Donde el cine clásico concedía una especial importancia al guión y a los diálogos, a la declamación misma, casi todo se rodaba en estudios y la producción y distribución estaba a cargo de las grandes industrias, este nuevo cine empieza a rodar en exteriores, con diálogos naturales, como realmente se expresa la gente común, con historias también reales, en muchos casos influenciadas por el momento -como la guerra de Vietnam o las revueltas estudiantiles-, donde empiezan a aparecer los primeros desnudos de manera generalizada -eso sí femeninos- y donde desaparece lo políticamente correcto e inocuo y se empieza a hablar de cine real, como en la Nouvelle Vague en Francia, pero menos intelectual y más comprometida socialmente, por eso creo que ha envejecido mejor. En fin, para mí el mejor cine, creo que se me nota. Sirva de ejemplo la película que da título a este blog.

La banda sonora, con temas de Byrds, The Band y Jimi Hendrix, que cedieron los derechos de las canciones (caso único inaudito en la historia del rock), es igualmente importante pues ayuda a crear el tono libertario del filme.

Fue ganadora de numerosos premios y estuvo nominada a otros tantos más. Un clásico incontestable del cine.

Il tassinaro (1983), Alberto Sordi. (El taxista)

Divertida comedia italiana de los años 80, donde el genial Alberto Sordi interpreta el papel de un taxista romano, que le sirve para hacernos un tour turístico por su querida ciudad, además de mostrarnos un elenco de costumbres locales, comportamientos y expresiones típicas romanas.

Giulio Andreotti y Federico Fellini participan con sendos cameos haciendo de sí mismos, así como una jovencísima Alessandra Mussolini con un pequeño papel, curioso ahora que la vemos convertida en una respetada diputada italiana.

Memorables escenas cómicas con Sordi, como la discusión con un cliente americano hablando de la serie televisiva Dallas y diciéndole de todo en dialecto romano: http://www.youtube.com/watch?v=sv64yR7-7f0 , o los piropos a la actriz Silvana Pampanini, que también hace un cameo interpretándose a sí misma, cuando éste la confunde con otra.

Un clásico del cine italiano que se deja ver en todo momento.

Riso amaro (1949), Giuseppe De Santis. (Arroz amargo)

La acción se desarrolla en los campos de arroz de la zona de Vercelli, en plena llanura padana, a mitad de camino entre Milán y Turín, donde históricamente en la primavera se llevaba a cabo la recogida del arroz con miles de temporeros que venían en tren de todas las zonas de Italia, para llevar a cabo esta tradición centenaria.

Un ladrón buscavidas que huye de la policía se sirve de esta concentración para esconderse y de paso enredar a una campesina inocente para su próximo golpe, una excelsa Silvano Mangano, que se deja embaucar y que al final será su perdicción.

Como siempre el cine neorrealista de posguerra se servía de la realidad cotidiana para elaborar sus guiones dando lugar a historias densas y ricas de contenido, a las que en este caso De Santis añade el estudio sociológico de cómo vivían las personas y cómo afrontaban la pobreza y la época que les tocaba vivir, viendo como el contexto marcaba sus vidas de manera indeleble.

También hacían el estudio propio de las personas, de las pasiones que son inherentes a los seres humanos y que asoman en cualquier circunstancia. La atracción de todos los hombres por la chica guapa y sensual, que a su vez se siente atraida por el hombre guapo y con carácter aunque sea un malvado, viendo como el comportamiento humano también se repite independientemente del contexto.

Valorada como la mejor película del último de los realizadores neorrealistas italiano, Giuseppe De Santis, contó con la producción de Dino De Laurentis y fue presentada a concurso en la 3ª edición del Festival de Canes.

A pesar de la militancia de De Santis en el partido comunista, que se puede colegir cuando se ve el film, la película fue muy criticada por el partido, porque decían que ofrecía una imagen muy sensual y banal de la mujeres, cuando en realidad se trataba de campesinas que trabajaban muy duro por ganarse un jornal.

Curiosamente tanto Mangano como Gassman siempre renegaron de esta película, que sin embargo creo que merecidamente ha pasado a las historia del cine como uno de los mejores clásicos del cine italiano y seguramente del cine en general.

La Ciociara (1960), Vittorio De Sica. (Dos mujeres)

La historia gira en torno a una madre y una hija que escapando del asedio aéreo alemán huyen de Roma en dirección hacia la región de la Ciociara, cuyo epicentro es Frosinone -a casi 100 kms. al sur de Roma en dirección de Nápoles-, para sin querer meterse de lleno en la zona de combate entre las tropas aliadas y el ejército alemán, que luchaban encarnizadamente unos kilómetros más al sur, en la zona de la Abadía de Monte Cassino, donde estaba la línea del frente.

En su viaje hacía esa región van coincidiendo con paisanos que o bien huyen del frente o que bien se resignan a padecer la violencia de la guerra y sobre todo la extrema pauperización que conlleva. Es ahí donde conocen a Michele -un jovencísimo Jean-Paul Belmondo-, intelectual comunista con el que entablan amistad, que posteriormente será capturado por los alemanes. 

Finalmente en su intento por volver a Roma, cuando estaban refugiadas en una iglesia, madre e hija, son violadas por Goumiers.
 
Introduzco una explicación sobre quiénes eran estos soldados de los que desconocía su existencia, de la que me he quedado impactado:

"Los Goumiers marroquíes eran tropas coloniales que formaban parte del cuerpo expedicionario francés, mandado por el general Juin. Eran 12.000 diablos procedentes de las montañas del Rif, divididos en bandas más o menos irregulares, llamados "tabores", confiados a oficiales franceses. No hacían prisioneros, pero estaban acostumbrados a llevarse como trofeos cabezas, orejas y testículos cortados, casi siempre con su victima viva y consciente. Vivían del saqueo y se dedicaban a toda clase de violencia. 

¿Por qué fueron enviadas a Italia tropas tan feroces?.  La pregunta todavía espera una respuesta. Juin en sus memorias no dedica ni una línea para compadecer a las inocentes poblaciones que fueron arrasadas por la furia de estos individuos. Acaso hubo en los franceses una especie de espiritu de venganza contra la Italia de la "puñalada por la espalda".

Queda el hecho de que los Goumiers dejaron una huella de su paso difícilmente borrable. Utilizados por el mando del V Ejército como tropas de asalto (no se quita gloria a nadie si se afirma que el sitio de Cassino lo hicieron saltar los marroquíes junto con los polacos), estos soldados de albornoz y turbante se mostraron invencibles." 
 
Extraordinaria película basada en una conocida novela de Alberto Moravia, que sirvió para que Sofía Loren ganara el Óscar por su fabulosa interpretación. Incluso Belmondo, que después haría también varias buenas películas de la Nouvelle Vague, también hace una interpretación estelar.
 
Debo añadir que en el caso de la Loren no creo recordar haber visto nunca una actriz tan guapa, tan poderosamente atractiva y con tanto magnetismo en el cine. 
 
Representa el epítome de una serie de mujeres que en Italia se conocían con el nombre de maggiorate, actrices que triunfaban al inicio más bien por un físico rotundo y exhuberante. Curiosamente este término lo acuñó Vittorio de Sica en 1952 para defender a Gina Lollobrigida definiéndola como maggiorata fisica, porque se decía de ella que era una minorata psichica.

A Night at the Opera (1935), Sam Wood. (Una Noche en la Ópera)

Primera película de los hermanos Marx producida por la MGM y en la que ya solo trabajan tres de ellos (sin Zeppo, a diferencia de las 5 primeras de la Paramount donde trabajaban los cuatro), que durante años ha sido considerada su mejor obra.

Historia archiconocida donde los hermanos Marx tratan de hacer triunfar a una pareja de enamorados cantantes de ópera emigrados ilegalmente en Estados Unidos en un barco desde Italia, en contra de la opinión del dueño del teatro, de la productora y del tenor titular, éste enamorado de la chica y haciendo el papel de malo.

Se desarrolla en la antigua ópera de la ciudad de Nueva York con la trama de El Trovador de Verdi que sirve de marco para todas las travesuras de los Marx, en concreto en la famosa escena del canto de los gitanos que les sirve para destrozar todo el decorado.

O también la famosa escena de la firma del contrato donde la primera parte de la parte de la primera parte del contrato..., o la de todos metidos en el pequeño camerino de Groucho en el barco, que en muchas ocasiones me recuerda a mi despacho.

Verla en versión original te permite apreciar curiosidades como el acento italiano de Chico, que nunca se ha sabido muy bien si era para disimular su verdadero origen alemán, o simplemente porque lo cogió de un vecino viendo que resultaba gracioso.

En fin, divertidísima película que se puede ver cuantas veces se quiera.

The killing (1956), Stanley Kubrick. (Atraco perfecto)

Se trata de una de las primeras películas de Kubrick. Filmada en su Nueva York natal y que sirve de ejemplo de la magnífica carrera que posteriormente desarrollaría.

Se trata de la narración de manera no lineal de un original e inédito atraco al hipódromo de Nueva York, con una vox en off que va explicando los hechos y dando sentido cronológico a la trama.

Encomiable el trabajo de Sterley Hayden como jefe de la banda y de todos los secundarios, a destacar Marie Windsor en su papel de chica frívola y Elisha Cook Jr., en el de marido timorato de esta.

Película emocionante que solo dura 80 minutos que se pasan volando, y que podría ser un ejemplo de cómo se debe hacer un film de acción que sirviera de guía a tantos y tantos directores que actualmente hacen películas que ya son horrendas desde el inicio.